FR - Sur proposition de Marie Papazoglou (curatrice) et Vincen Beeckman (artiste), la scène photographique belge est au cœur d’une soirée festive de présentation du travail de 50 photographes aux Rencontres de la Photographie d’Arles 2019. Wallonie-Bruxelles International (WBI), Flanders Arts Institute et la Direction des Arts plastiques contemporains du Ministère de la Culture de la Fédération Wallonie-Bruxelles soutiennent la réalisation de ce projet qui rencontre pleinement la volonté de nos institutions de contribuer à la diffusion/promotion des artistes belges tant sur le plan national qu’international. Cette soirée se veut l’amorce d’une participation plus régulière de la scène photographique belge à Arles.

NL - Op voorstel van Marie Papazoglou (curator) en Vincen Beeckman (kunstenaar) zal de Belgische fotografie centraal staan op een feestelijke avond tijdens de Rencontres de la Photographie d'Arles 2019, met de presentatie van het werk van 50 fotografen. Wallonie-Bruxelles International (WBI), Kunstenpunt en de Direction des Arts plastiques contemporains van het ministerie van Cultuur van de Fédération Wallonie-Bruxelles ondersteunen dit project dat volledig beantwoordt aan de ambitie van onze instellingen om bij te dragen aan de promotie van Belgische kunstenaars, zowel nationaal als internationaal. Deze avond markeert het begin van een grotere aanwezigheid van de Belgische fotografie in Arles.

EN - On the proposal of Marie Papazoglou (curator) and Vincen Beeckman (artist), Belgian photography will be at the centre of a festive evening held to present the work of 50 photographers at the Rencontres de la Photographie d'Arles 2019. Wallonia-Brussels International (WBI), Flanders Arts Institute, and the Department of Contemporary Visual Arts of the Ministry of Culture of the Wallonia-Brussels Federation support the realization of this project that fully meets the ambition of our institutions to contribute to the promotion of Belgian artists both nationally and internationally. This evening marks the start of a more regular representation of Belgian photography in Arles.

Soirée Belge Belgische Avond Belgian Night WALLONIE-BRUXELLES INTERNATIONAL (WBI) FR - Wallonie-Bruxelles International (WBI) est l’Administration chargée des relations internationales de Wallonie-Bruxelles. Elle est l'instrument de la politique internationale menée par la Wallonie, la Fédération Wallonie-Bruxelles et la Commission communautaire française de la Région de Bruxelles-Capitale. Dans le cadre d’accords avec 70 pays et régions, WBI joue le rôle de Ministère des affaires étrangères, soutient les créateurs, entrepreneurs, institutions d’enseignement supérieur et autres opérateurs de Wallonie-Bruxelles dans leur démarche d’internationalisation. Des actions sont ainsi menées dans le cadre de la coopération au développement, des droits de l'homme, de la culture, de la santé et des affaires sociales, de l'environnement, des échanges de jeunes, de l'enseignement et de la formation, de l'enseignement supérieur et de la recherche scientifique. WBI exerce aussi son action à travers un réseau de Délégations ayant statut diplomatique à Berlin, Bucarest, Dakar, Genève, Hanoï, Kinshasa, La Haye, Paris, Pékin, Québec, Rabat, Santiago du Chili, Tunis, Varsovie et Bruxelles (Union européenne). NL - Wallonie-Bruxelles International (WBI) is de verantwoordelijke instantie voor de internationale betrekkingen van Wallonië-Brussel. Het is het instrument van het internationale beleid van Wallonië, de Federatie Wallonië-Brussel en de Franse Gemeenschapscommissie van het Brussels Hoofdstedelijk Gewest. In het kader van overeenkomsten met 70 landen en regio's treedt WBI op als het Ministerie van Buitenlandse Zaken en ondersteunt het de ontwerpers, ondernemers, instellingen voor hoger onderwijs en andere actoren in Wallonië-Brussel in hun internationaliseringsproces. Er worden zodoende acties uitgevoerd op het gebied van ontwikkelingssamenwerking, mensenrechten, cultuur, gezondheid en sociale zaken, milieu, uitwisseling van jongeren, onderwijs en opleiding, hoger onderwijs en wetenschappelijk onderzoek. WBI werkt ook via een netwerk van delegaties met diplomatieke status in Berlijn, Boekarest, Dakar, Genève, Hanoi, Kinshasa, Den Haag, Parijs, Peking, Quebec City, Rabat, Santiago de Chile, Tunis, Warschau en Brussel (Europese Unie). EN - Wallonia-Brussels International (WBI) is the agency responsible for the international relations of Wallonia and Brussels. It acts as an international policy instrument for Wallonia, the Wallonia-Brussels Federation and the French Community Commission of the Brussels Capital Region. Under agreements with 70 countries and regions, WBI assumes the role of the Ministry of foreign

affairs, supports creators and entrepreneurs, higher education institutions and other operators from Wallonia and Brussels to move towards the international stage. Action is taken in the areas of cooperation and development, human rights, culture, health and social affairs, the environment, exchanges for young people, education and training, higher education and scientific research. WBI also acts through a network of delegations with diplomatic status in Algiers, Berlin, Bucharest, Dakar, Geneva, Hanoi, Kinshasa, the Hague, Paris, Beijing, Prague, Québec, Rabat, Santiago de Chile, Tunis, Warsaw and Brussels (Representation to the European Union).

FLANDERS ARTS INSTITUTE (KUNSTENPUNT) FR - Flanders Arts Institute (Kunstenpunt) est un centre de ressources et d'expertise pour les arts visuels, les arts de la scène et la musique classique en Flandre et à Bruxelles. Flanders Arts Institute informe les artistes, les professionnels et les organisations artistiques, contribue au développement de l'écosystème artistique, promeut la visibilité internationale des artistes et constitue une plate-forme de rencontre, d’échange et de réflexion pour les professionnels de l’art et les acteurs actifs dans le domaine des politiques culturelles. Par le biais de ses programmes de rencontres et d'échanges internationaux, Flanders Arts Institute vise à établir des relations internationales durables et à amorcer des collaborations artistiques à l'échelle internationale. NL - Kunstenpunt (Flanders Arts Institute) is het steunpunt voor beeldende kunsten, podiumkunsten en klassieke muziek in Vlaanderen en Brussel. De organisatie ondersteunt mensen en organisaties professioneel actief in het kunstenveld en in het kunstenbeleid, levert een bijdrage aan de ontwikkeling van dat veld, zet in op de internationale beeldvorming en promotie van kunsten uit Vlaanderen en Brussel en werkt als netwerkplatform voor actoren in kunsten en beleid, in binnen- en buitenland. EN - Flanders Arts Institute (Kunstenpunt) is an interface organisation and expertise centre for visual arts, performing arts and classical music from Flanders and Brussels, supported by the Flemish government. The organisation informs people and organisations professionally active in the field of arts and art policy, contributes to the development of the artistic ecosystem, promotes the international visibility of the arts from Flanders and Brussels and operates as a network platform for arts and art policy professionals.

www.flandersartsinstitute.be www.wbi.be www.artsplastiques.cfwb.be

Annemie Augustijns www.annemieaugustijns.be

NL - Annemie Augustijns gebruikt fotografie om verborgen werelden te verkennen. In de serie I feel a breeze from other planets, treedt de kunstenares achter de schermen van astrofysische laboratoria. Ze confronteert de idealisering van de verovering van de ruimte en de vermeende rigueur van een wetenschappelijke instelling, met de dagelijkse realiteit, anekdotisch en niet zonder fantasie, met hun aardse omgeving. Annemie Augustijns (1965) woont en werkt in Gent. Haar werk werd tentoongesteld in BOZAR (Brussel, 2013), FOMU (Antwerpen, 2007) en tijdens het Kaunas Photo Festival (Litouwen, 2008). Haar werken zijn opgenomen in de collectie van van het FOMU (Antwerpen) en in het Museum van Charleroi. Annemie Augustijns wordt vertegenwoordigd door de valerie_traan gallery (Antwerpen).

© Annemie Augustijns - Galaxy Switserland

FR - Annemie Augustijns se sert de la photographie pour explorer des univers cachés. Dans la série I feel a breeze from other planets , l’artiste déambule dans les coulisses de laboratoires d'astrophysique. Elle confronte l’idéalisation de la conquête de l’espace et la rigueur supposée d’une institution scientifique avec la réalité quotidienne, anecdotique et non dépourvue de fantaisie, de leur environnement bien terrestre. A n n e m i e A u g u s t i j n s ( 1 96 5 ) v i t et travaille à Gand. Son travail a été notamment exposé à BOZAR (Bruxelles, 2013), au FOMU (Anvers, 2007) et lors du Kaunas Photo Festival (Lituanie, 2008). Ses œuvres figurent dans les collections du FOMU (Anvers) et du Musée de la Photographie de Charleroi. Annemie Augustijns est représentée par valerie_traan gallery (Anvers). ENG - Annemie Augustijns utilizes photography to explore hidden worlds. In the series I feel a breeze from other planets, the artist provides a behind-the-scenes look at astrophysics laboratories. She contrasts the idealization of the conquest of space and the alleged rigour of scientific institutions with the everyday reality, both anecdotal and not without fantasy, of their very earthly environment. Annemie Augustijns (1965) lives and works in Ghent. She has been exhibited notably at BOZAR (Brussels, 2013), FOMU (Antwerp, 2007) and during the Kaunas Photo Festival (Lithuania, 2008). Her works are part of the collections of FOMU (Antwerp) and the Musée de la Photographie of Charleroi. Annemie Augustijns is represented by the valerie_traan gallery, Antwerp.

Maria Baoli www.cargocollective.com/MariaB FR - Conjuguant le noir et blanc, la couleur, le cyanotype ou encore le collage, les images atemporelles de Maria Baoli explorent notre rapport au monde et à la nature. Son travail, qui s’articule dans une écriture délicate et sensuelle, révèle un cheminement intérieur constellé de questions plutôt que de réponses. Maria Baoli vit et travaille à Bruxelles. Sortie de l’École de Photographie et des Techniques Visuelles Agnès Varda à Bruxelles en 2016, son travail a récemment été présenté dans des expositions collectives et individuelles aux Pays-Bas, en Espagne, en Belgique et en Lettonie.

© Maria Baoli, Judith and the infinite sea

NL - Door de combinatie van zwart-wit, kleur, cyanotype en collage onderzoeken de tijdloze beelden van Maria Baoli onze relatie met de wereld en de natuur. Haar werk, dat is vastgelegd in een delicaat en sensueel schrift, toont een innerlijke reis vol vragen in plaats van antwoorden. Maria Baoli woont en werkt in Brussel. Na haar opleiding aan de Agnès Varda School of Photography in Brussel in 2016, werd haar werk recent getoond in groeps- en solotentoonstellingen in Nederland, Spanje, België en Letland. EN - Encompassing black and white, colour, cyanotype and collage, the timeless images of Maria Baoli explore our relation to the world and to nature. Her work, chronicled in a delicate and sensual style, reveals an inner journey composed of questions rather than answers. Maria Baoli lives and works in Brussels. She graduated from the Agnès Varda School of Photography in Brussels in 2016. Her work has been shown in recent group and solo exhibitions in the Netherlands, Spain, Belgium and Latvia.

Laetitia Bica www.laetitiabica.be FR - Laetitia Bica poursuit un travail artistique dans lequel elle intègre les codes des domaines variés où elle évolue, qu’il s’agisse de l’édition, de la mode ou encore du clip vidéo. Ses explorations plastiques, où la couleur, le corps et la beauté sont centrales, tendent à décloisonner les genres et passent le plus souvent par des invitations au dialogue. Sa dernière série CREAM résulte d’un projet au long cours mené avec des artistes atteints de handicap, dans lequel elle interroge notamment la collaboration créative et la condition d’artiste. Laetitia Bica (1981) vit et travaille à Bruxelles. Elle a étudié à l’École Supérieure des Arts de Saint-Luc en Belgique. Son travail a été notamment exposé dans le cadre de Art Brussels (Galerie Spazio Nobile, 2018), au musée de La Boverie (BIP/Biennale de l’Image Possible, Liège, 2018) ainsi que lors de la Design Week au Palazzo Litta à Milan (2017). NL - Laetitia Bica streeft een artistiek werk na waarin ze de codes van de verschillende domeinen waarin ze zich ontwikkelt, of het nu gaat om publicatie, mode of videoclip, integreert. Haar artistieke exploraties, waarbij kleur, lichaam en schoonheid centraal staan, hebben de neiging genres te versplinteren en nodigen vaak uit tot dialoog. Haar laatste CREAM-serie is het resultaat van een langlopend project met kunstenaars met een beperking, waarin ze creatieve samenwerking en de status van de kunstenaar in vraag stelt. Laetitia Bica (1981) woont en werkt in Brussel. Ze studeerde aan de École supérieure d'art de Saint-Luc, in België. Haar werk werd tentoongesteld in het kader van Art Brussels (Spazio Nobile Gallery, 2018), in het Boverie Museum (BIP/Biennale de l'Image Possible, Luik, 2018) en tijdens de Design Week in het Palazzo Litta in Milaan (2017).

© Laetitia Bica, CREAM

EN - Laetitia Bica pursues an artistic body of work that integrates the conventions of the various fields in which she moves, whether publishing, fashion or video clips. Her artistic explorations, in which colour, body and beauty are central, seek to decompartmentalize genres and most often involve invitations to dialogue. Her latest series, CREAM, is the result of a long-term project involving artists with disabilities, in which she questions creative collaborations and the status of artists. Laetitia Bica (1981) lives and works in Brussels. She studied at the École supérieure d’art de Saint-Luc in Belgium. Her work has been exhibited in the context of Art Brussels (Spazio Nobile, 2018), at La Boverie (BIP/Biennial of the Possible Image, Liège, 2018) as well as during the Design Week at Palazzo Litta in Milan (2017).

Louise Bossut www.louisebossut.be

EN - The source of Louise Bossut’s art lies in the Western pictorial tradition. Interested in the conventional genres defined during the seventeenth century, she has made landscapes in particular her favourite subject. Her eminently visual approach, permeated by ecological questions, confronts the duality of an ideal, serene and harmonious landscape with a certain brutality of contemporary reality. Louise Bossut (1979) lives and works in Brussels. She regularly exhibits in Belgium and abroad, notably at the Musée d’Ixelles (Brussels) and at the Salon de Montrouge (France). Her photographs have been rewarded with the Fernand Dumeunier Prize (Charleroi, 2007) and the prize of the Gouvernement de la Communauté Française de Belgique, in the context of the du Médiatine Prize (Brussels, 2004).

© Louise Bossut, Paysage Jurassien, la vallée du Lison 2010

FR - Louise Bossut puise la source de son art dans la tradition picturale occidentale. Intéressée par les genres conventionnels définis durant le XVIIe siècle, elle a fait du paysage son objet de prédilection. Son approche éminemment plastique, traversée par des questions écologiques, confronte la dualité d’un paysage idéal, serein et harmonieux avec une certaine brutalité de la réalité contemporaine. Louise Bossut (1979) vit et travaille à Bruxelles. Elle expose régulièrement en Belgique et à l’étranger. Exposé notamment au Musée d’Ixelles (Bruxelles) ou au salon de Montrouge, son travail a également été récompensé par le prix Fernand Dumeunier (Charleroi, 2007) et celui du Gouvernement de la Communauté Française de Belgique, dans le cadre du prix Médiatine (Bruxelles, 2004).

NL - Louise Bossut put de bron van haar kunst uit de westerse beeldtraditie. Geïnteresseerd in de conventionele genres die in de 17de eeuw werden gedefinieerd, maakte ze van het landschap haar favoriete onderwerp. Met een bijzonder plastische benadering, doorkruist door ecologische vragen, confronteert ze de dualiteit van een ideaal, sereen en harmonieus landschap met een zekere wreedheid van de hedendaagse realiteit. Louise Bossut (1979) woont en werkt in Brussel. Haar werk wordt regelmatig tentoongesteld in België en in het buitenland. Zo werd het tevens gepresenteerd in het Museum van Elsene (Brussel) en in het Salon van Montrouge (Frankrijk) en werd beloond met de Fernand Dumeunier prijs (Charleroi, 2007) en de prijs van de Franse gemeenschap van België in het kader van de prix Médiatine (Brussel, 2004).

Michaël Briglio-Nigro www.michaelbriglio.tumblr.com FR - Les images mordantes de Michael Briglio-Nigro semblent suivre la logique dissolue des rêves. A l’aide d’une palette chromatique irréelle, le photographe déploie un univers fragmenté qui tend à désarçonner le spectateur. Close-ups énigmatiques, silhouettes obscures, néons acidulés le propulsent au rythme d’une course hallucinée. Héritier revendiqué de la pop culture des années 80, Michael Briglio-Nigro se saisit de ses codes et produit un corpus nimbé d’un sentiment de nostalgie et de désenchantement. Michael Briglio-Nigro (1981) vit et travaille à Liège. NL - Michael Briglio-Nigro's bijtende beelden lijken de losgeslagen logica van dromen te volgen. Met behulp van een onwerkelijk chromatisch palet ontvouwt de fotograaf een gefragmenteerd universum dat de kijker in verwarring brengt. Enigmatische close-ups, obscure silhouetten en citruskleurige neonlichten stuwen hem naar het ritme van een hallucinerende race. Michael Briglio-Nigro, erfgenaam van de popcultuur van de jaren '80, neemt de codes van deze cultuur over en produceert een corpus dat een gevoel van nostalgie en ontgoocheling uitademt. Michael Briglio-Nigro (1981) woont en werkt in Luik.

© Michael Briglio Nigro, Fly & tie

EN - The scathing images of Michael Briglio-Nigro seem to follow the dissolute logic of dreams. Relying on an unreal chromatic palette, the photographer stages a fragmented universe that tends to confuse the viewer. Enigmatic close-ups, obscure silhouettes, acidic neon lights propel him to the rhythm of a feverish race. A proud heir of 1980s pop culture, Michael Briglio-Nigro utilizes its conventions to produce a corpus imbued with a feeling of nostalgia and disenchantment. Michael Briglio-Nigro (1981) lives and works in Liège.

Frederik Buyckx www.frederikbuyckx.com FR - Frederik Buyckx travaille comme photographe freelance pour de nombreux médias internationaux. Parallèlement, il est également l’auteur de plusieurs projets personnels. Dans sa dernière série, Horse Head, il explore les relations que l’homme entretient avec la nature dans les conditions de vie extrême des vallées isolées du Kyrgyzstan. Le photographe y saisit la beauté du lien de dépendance mutuelle qui unit les bergers et leurs animaux, équilibre essentiel à leur survie dans cet environnement impitoyable.

NL - Frederik Buyckx werkt als freelance fotograaf voor vele internationale media. Daarnaast is hij ook de auteur van verschillende persoonlijke projecten. In zijn laatste serie, Horse Head, onderzoekt hij de relatie van de mens tot de natuur in de extreme leefomstandigheden van de geïsoleerde valleien van Kirgizië. De fotograaf legt de schoonheid van de wederzijdse afhankelijkheid vast die herders en hun dieren verenigt, een essentieel evenwicht voor hun overleving in deze genadeloze omgeving. Frederik Buyckx (1984) woont en werkt in Gent. Zijn werk heeft verschillende prijzen ontvangen, waaronder de World Press Photo Award (2013). Hij werd ook uitgeroepen tot "Fotograaf van het Jaar" bij de Sony World Photography Awards (2017) voor zijn series WOLF en Horse Head.

© Frederik Buycx, Horse Head

Frederik Buyckx (1984) vit et travaille à Gand. Son travail a fait l'objet de plusieurs récompenses, dont le World Press Photo Award (2013). Il a également été nommé “Photographe de l’année” au Sony World Photography Awards (2017) pour ses séries WOLF et Horse Head. EN - Frederik Buyckx works as a freelance photographer for many international media. At the same time, he is also the author of several personal projects. His latest series, Horse Head, explores humankind’s relation to nature in the extreme living conditions of Kyrgyzstan’s isolated valleys. The photographer captures the beauty of the relationship of mutual dependency that unites shepherds and their animals, a balance that is essential for their survival in this merciless environment. Frederik Buyckx (1984) lives and works in Ghent. His work has won several awards, including the World Press Photo Award (2013). He was also named Photographer of the Year at the Sony World Photography Awards (2017) for his WOLF and Horse Head series.

Tom Callemin www.tomcallemin.com

NL - Door de confrontatie met het ongrijpbare stelt Tom Callemin het fotografische medium in vraag met betrekking tot zijn vermogen om het onzichtbare te onthullen. Zijn fotografie en videowerk, die zich ontwikkelen in een duister en raadselachtig universum, behandelen datgene wat de ontmoeting tussen de fotograaf en zijn onderwerp uitlokt en de plaats die de camera tussen hen inneemt. Geconstrueerd volgens streng bestudeerde scenario's, getuigt elk van zijn beelden uiteindelijk van wat de kunstenaar niet in de hand heeft: onverwachte gebreken die de verontrustende diepte van het zichtbare onthullen. Tom Callemin (1991) woont en werkt in Gent. Hij werd in 2015 door FOAM geselecteerd uit de meest veelbelovende jonge fotografen en ontving in 2015 de Levallois-prijs. Zijn werk wordt regelmatig tentoongesteld in België en in het buitenland.

© Tom Callemin, The trick

FR - En affrontant l’insaisissable, Tom Callemin interroge le médium photographique dans son habileté à révéler l'invisible. Évoluant dans un univers sombre et énigmatique, son travail photographique et vidéo traite de ce que la rencontre entre le photographe et son sujet provoque et de la place que prend l’appareil entre eux. Construites selon des scénarios rigoureusement étudiés, chacune de ses images témoigne finalement de ce qui échappe au contrôle de l’artiste : des failles imprévues qui révèlent la profondeur troublante du visible. Tom Callemin (1991) vit et travaille à Gand. Sélectionné en 2015 parmi les jeunes photographes les plus prometteurs par le FOAM (Amsterdam), il a notamment reçu le Prix Levallois en 2015. Son travail est régulièrement exposé en Belgique et à l’étranger.

EN - By confronting the elusive, Tom Callemin questions the photographic medium’s ability to reveal the invisible. Evolving in a dark and enigmatic universe, his photographic and video work deals with what the encounter between the photographer and his subject provokes and the place that the camera occupies between them. Constructed according to rigorously studied scenarios, each of his images ultimately bears witness to what is beyond the artist’s control: unexpected flaws that reveal the disturbing depth of the visible. Tom Callemin (1991) lives and works in Ghent. Selected by FOAM in 2015 from among the most promising young photographers, he was awarded the Levallois Prize in 2015. His work is regularly exhibited in Belgium and abroad.

Bertrand Cavalier www.bertrandcavalier.com

© Bertrand Cavalier, Concrete Doesn't Burn.

FR - Bertrand Cavalier poursuit depuis plusieurs années un travail sur l’influence des enjeux géo-politiques sur la ville et ses habitants. Concrete Doesn't Burn se penche sur les traces causées par des conflits armés dans le tissu urbain de onze villes européennes. A travers ses photographies en noir et blanc, Bertrand Cavalier interroge l’impact de ces ruptures traumatiques dans l’architecture, les espaces publics et le quotidien des personnes qui y vivent. Bertrand Cavalier (1989) vit et travaille à Bruxelles. Son projet Concrete Doesn't Burn a été exposé au FOMU .tiff (2019) et récompensé par le Cosmos PDF Award, lors des Rencontres d’Arles (2018). Il a également été présenté durant Plat(t)form, Winterthur Photography Museum et exposé à BredaPhoto (2018). Concrete Doesn't Burn sera publié en 2019 par Fw:Books. NL - Bertrand Cavalier werkt al enkele jaren rond de invloed van geopolitieke kwesties op de stad en haar inwoners. Concrete Doesn't Burn onderzoekt de sporen van gewapende conflicten in het stedelijk weefsel van elf Europese steden. Met zijn zwart-wit foto's bevraagt Bertrand Cavalier de impact van deze traumatische breuken op de architectuur, de openbare ruimte en het dagelijkse leven van haar bewoners. Bertrand Cavalier (1989) woont en werkt in Brussel. Zijn project Concrete Doesn't Burn werd in het FOMU .tiff (2019) tentoongesteld en werd met de Cosmos PDF Award beloond tijdens de Rencontres d’Arles (2018). Het werd ook getoond tijdens Plat(t)form, Winterthur Photography Museum en in BredaPhoto (2018). Concrete Doesn't Burn zal uitgegeven worden in 2019 door Fw:Books. EN - Bertrand Cavalier has been working for several years on the influence of geopolitical issues on the city and its inhabitants. Concrete Doesn't Burn examines the traces caused by armed conflicts in the urban fabric of 11 European cities. Through his black-and-white photographs, Bertrand Cavalier questions the impact of these traumatic clashes on architecture, the public space and the daily lives of the people who live there. Bertrand Cavalier (1989) lives and works in Brussels. His project Concrete Doesn't Burn has been exhibited at FOMU .tiff (2019) and was rewarded with the Cosmos PDF Award during the Rencontres d’Arles (2018). It was also shown during Plat(t) form, Winterthur Photography Museum and exhibited at BredaPhoto (2018) and shall be published in 2019 by Fw:Books.

Alexandre Christiaens www.alexandrechristiaens.com FR - La pratique photographique d’Alexandre Christiaens est indissociable du voyage. Parcourant le monde, son œil s’attarde sur des paysages où se trament des jeux de dualité ; densité de la matière et légèreté aérienne ; obscurité et lumière, ou encore de profonds silences vis-à-vis de l’activité frénétique des hommes et des machines. Avec ses images hors du temps, le photographe ouvre des horizons insondables, à la portée quasi-cosmique. Alexandre Christiaens (1962) vit et travaille dans la région de Namur. Ses photographies ont fait l’objet de nombreuses expositions et publications. Elles sont également reprises dans les collections de plusieurs institutions, dont le Centre régional de la photographie, Nord Pas-de-Calais, le Musée de la Photographie de Charleroi et la Bibliothèque Nationale Richelieu de Paris.

© Alexandre Christiaens, Chili, Valparaiso, 2013

NL - Alexandre Christiaens' fotografische praktijk is onlosmakelijk verbonden met reizen. De wereld rondtrekkend, houdt hij zijn blik gericht op landschappen waar dualiteiten verstrengeld zijn; dichtheid van materie en luchtligheid; duisternis en licht; diepe stiltes ten opzichte van de frenetische activiteit van mensen en machines. Met zijn tijdloze beelden opent de fotograaf onpeilbare horizonten, met een bijna kosmische reikwijdte. Alexandre Christiaens (1962) woont en werkt in de streek van Namen. Zijn foto’s maakten deel uit van talrijke tentoonstellingen en publicaties. Ze zijn vertegenwoordigd bij meerdere instellingen, waaronder Centre régional de la photographie, Nord Pas-de-Calais, Het Musée de la Photographie de Charleroi en de Bibliothèque Nationale Richelieu, Parijs. EN - The photographic practice of Alexandre Christiaens is indissociable from travel. Touring the world, his eye lingers on landscapes marked by sets of dualities: density of matter and ethereal weightlessness; darkness and light; profound silences and the frenetic activity of machines. With his timeless images, the photographer opens up unfathomable horizons that possess an almost cosmic reach. Alexandre Christiaens (1962) lives and works in the Namur region. His photographs have been the subject of many exhibitions and publications. They are as well represented in many collections, such as the Centre régional de la photographie, Nord Pas-de-Calais, the Musée de la Photographie of Charleroi and the Bibliothèque Nationale Richelieu, Paris.

Olivier Cornil www.oliviercornil.be

NL - Olivier Cornil is de auteur van talrijke werken die vaak foto's en teksten combineren, halverwege tussen een bescheiden autobiografie en een genereuze en gevoelige benadering van de documentaire. Zijn laatste serie, Dans mon jardin les fleurs dansent, is het resultaat van een persoonlijk onderzoek naar zijn moeder en de familiale kring, uitgevoerd in Corrèze tussen 2002 en 2018. Hierin komen zowel relaties, storingen, verdriet, verlangen, berusting als vernieuwing aan de orde. Deze serie werd recent getoond in het Musée de la Photographie de Charleroi. Olivier Cornil (1976) woont en werkt in Luik. In 2001 is hij afgestudeerd aan de Ecole Supérieure de l'Image "75". Sinds 2017 is hij leraar aan het ESA Saint-Luc in Luik. Zijn werk maakte deel uit van talrijke tentoonstellingen in België en verschillende publicaties. EN - Olivier Cornil is the author of is the author of numerous works that often combine photographs and texts, halfway between discreet autobiography and a generous and sensitive approach to the documentary. His latest series, Dans mon jardin les fleurs dansent, is the result of a personal investigation of his mother and his family circle, conducted in Corrèze between 2002 and 2018. In it he deals with relationships, break-ups, grief, desire, resignation and renewal. The series has been recently exhibited at the Musée de la Photographie of Charleroi. Olivier Cornil (1976) lives and works in Liège. Having graduated in 2001 from the École supérieure de l’image ‘75’, he is a teacher since 2017 at ESA Saint-Luc in Liège. His work has been the subject of many exhibitions in Belgium and several publications.

© Olivier Cornil, Dans mon jardin les fleurs dansent

FR - Olivier Cornil est l’auteur de nombreux travaux mêlant souvent photographies et textes, à mi-chemin entre l’autobiographie pudique et une approche généreuse et sensible du documentaire. Sa dernière série, Dans mon jardin les fleurs dansent, est le fruit d’une recherche personnelle à propos de sa mère et du cercle familial, menée en Corrèze entre 2002 et 2018. Il y traite des liens, des ruptures, du deuil, du désir, de la résignation et du renouveau. Elle a récemment été exposée au Musée de la Photographie de Charleroi. Olivier Cornil (1976) vit et travaille à Liège. Diplômé en 2001 de l'École Supérieure des Arts de l'Image Le 75 et enseignant depuis 2017 à l’ESA Saint-Luc à Liège, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en Belgique et de plusieurs publications.

Anne-Sophie Costenoble www.ascostenoble.be

NL - Anne-Sophie Costenoble verkent en verzamelt alledaagse en fragiele momenten. Haar gevoelige en poëtische benadering van fotografie stelt toeval en zwerven centraal. Vaak omgeven door een schemering en dromerige sfeer, lijken haar beelden van verafgelegen horizonten te komen en tussen urgentie en dwaling te schipperen. Haar foto's werden in België tentoongesteld, onder meer in het Musée de la Photographie de Charleroi en in Espace Contretype (Brussel). Ze werden tevens gepresenteerd in Frankrijk op het Festival des Photographes Voyageurs (Bordeaux), tijdens de Transphotographiques (Rijsel) en werden vertoond in Le Bal en het MEP (Parijs). Ze werkt samen met 44 Gallery (Brugge).

© Anne-Sophie Costenoble, Du vent dans les coquelicots

FR - Anne-Sophie Costenoble explore et glane des instants ordinaires et fragiles. Son approche sensible et poétique de la photographie donne une place centrale au hasard et à l’errance. Souvent nimbées d’une atmosphère crépusculaire et onirique, ses images semblent nous parvenir d’horizons lointains et cheminer entre urgence et égarement. Ses photographies ont été exposées en Belgique, notamment au Musée de la Photographie de Charleroi, ainsi qu’à Contretype (Bruxelles). Elles ont également été présentées en France au festival Itinéraires des Photographes Voyageurs (Bordeaux), lors des Transphotographiques (Lille) et projetées au Bal et à la MEP (Paris). Elle collabore avec la 44 Gallery (Bruges).

EN - Anne-Sophie Costenoble explores and gleans ordinary and fragile moments. Chance and the idea of wandering play a central role in her sensitive and lyrical approach to photography. Often suffused with a dreamlike and crepuscular atmosphere, her pictures seem to reach us from distant horizons and to move between urgency and distraction. Her photographs have been exhibited in Belgium, notably at the Photography Museum in Charleroi and at Contretype in Brussels. They have also been presented in France at the Festival des Photographes Voyageurs (Bordeaux) and during Transphotographiques (Lille), and they have been screened at Bal and MEP (Paris). She collaborates with 44 Gallery (Bruges).

Christopher de Béthune www.christopherdebethune.com

© Christopher de Béthune, L'envol

FR - Christopher de Béthune pratique une photographie que l’on pourrait qualifier d’impulsive et d’imprudente. Largement influencée par la culture cinématographique japonaise et le mythique mouvement PROVOKE, l’écriture photographique de Christopher de Béthune se décline en noirs et blancs granuleux et contrastés. Ses portraits fantomatiques et ses paysages sombres instillent solitude et douce mélancolie. Christopher de Béthune vit et travaille à Bruxelles. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions et de publications, dont plusieurs fanzines, édités notamment par Dienacht. Il est représenté par Alice Gallery (Bruxelles) et Daeppen Gallery (Bâle).

NL - Christopher de Béthune beoefent een fotografie die als impulsief en roekeloos kan worden omschreven. De fotografische schriftuur van Christopher de Béthune is grotendeels beïnvloed door de Japanse filmcultuur, het mythische beweging PROVOKE en omvat korrelige en contrasterende zwart-wit foto's. Zijn grimmige portretten en donkere landschappen brengen eenzaamheid en zoete melancholie voort. Christopher de Béthune woont en werkt in Brussel. Zijn werk maakte deel uit van meerdere tentoonstellingen en publicaties, waaronder meerdere fanzines, onder meer uitgebracht door Dienacht. Hij wordt vertegenwoordigd door Alice Gallery (Brussel) en Daeppen Gallery (Basel).

EN - Christopher de Béthune practises a photography that could be described as impulsive and reckless. Heavily influenced by Japanese film culture and the legendary PROVOKE movement, Christopher de Béthune’s photographic style is characterized by grainy and contrasting black-and-white tones. His ghostly portraits and his dark landscapes instil loneliness and a sweet melancholy. Christopher de Béthune lives and works in Brussels. His work has been the subject of several exhibitions and publications, including fanzines, notably edited by Dienacht. He is represented by Alice Gallery (Brussels) and Daeppen Gallery (Basel).

Carl De Keyzer www.carldekeyzer.com

© Carl De Keyzer

FR - Carl De Keyzer commence sa carrière de photographe freelance en 1982. A la même époque, il co-fonde la Galerie XYZ avec Dirk Braeckman. Nominé en 1990 chez Magnum, il en devient membre à part entière en 1994. Carl De Keyzer s’attaque volontiers à des projets d’envergure, qu’il développe sur le long terme. Ses travaux illustrent les dérives et les catastrophes qui frappent les communautés du monde entier, qu’il pressent sur le point de s’effondrer. Carl De Keyzer (1958) vit et travaille dans la région de Gand. Internationalement reconnu, ses photographies ont fait l’objet de nombreux prix et d’expositions dans le monde entier. Il est également l’auteur de nombreuses publications, parmi lesquelles D.P.R.Korea Grand Tour (2017) ou encore les deux tomes relatifs au Congo belge (2010).

NL - Carl De Keyzer begon zijn carrière als freelance fotograaf in 1982. Tegelijkertijd richtte hij samen met Dirk Braeckman de XYZ Gallery op. In 1990 werd hij genomineerd bij Magnum waar hij in 1994 volwaardig lid werd. Carl De Keyzer gaat graag de uitdaging met grootschalige projecten aan, die hij op lange termijn ontwikkelt. Zijn werk illustreert de wandaden en rampen die gemeenschappen over de hele wereld treffen en die hij op de rand van de afgrond acht. Carl De Keyzer (1958) woont en werkt in de buurt van Gent. Zijn foto's, die internationaal erkend zijn, zijn het onderwerp geweest van talrijke prijzen en tentoonstellingen over de hele wereld. Hij is ook de auteur van talrijke publicaties, waaronder de D.P.R.R. Korea Grand Tour (2017) en de twee volumes over Belgisch Congo (2010).

EN - Carl De Keyzer began his career as a freelance photographer in 1982. At that time he also co-founded the XYZ Gallery with Dirk Braeckman. A Magnum nominee in 1990, he became a full member in 1994. Carl De Keyzer is not afraid of ambitious projects, which he develops over the long term. His work illustrates the abuses and disasters that affect communities around the world which he feels are on the verge of collapse. Carl De Keyzer (1958) lives and works in the Ghent region. Internationally recognized, his photographs have been the subject of many awards and exhibitions around the world. He is also the author of numerous publications, including D.P.R.Korea Grand Tour (2017) and two volumes on the Belgian Congo (2010).

Dieter De Lathauwer www.dieterdelathauwer.com

© Dieter De Lathauwer, I loved my wife

FR - Dieter De Lathauwer a parcouru l’Autriche pour y photographier des institutions psychiatriques ayant activement pris part, sous le régime nazi, à la mise à mort massive de patients atteints de troubles mentaux. Près de 150.000 personnes dont des milliers d’enfants y ont perdu la vie. Le photographe s’est attaché à révéler la part sombre de ces institutions toujours en activité aujourd’hui. En se détournant des codes du strict documentaire, l’auteur a privilégié une approche personnelle tout en retenue. Ses compositions soignées ne nous révèlent que des vues partielles des édifices, plongées dans un profond silence. Son livre I loved my wife, a remporté le Unseen Dummy Award (Amsterdam), a fait l’objet de sélections pour le Author Book Award Arles 2017 et le Kassel Photobookfestival 2017.

NL - Dieter De Lathauwer reisde doorheen Oostenrijk om er psychiatrische instellingen te fotograferen die actief deelnamen aan de massamoord op geesteszieke patiënten tijdens het nazi-regime. Bijna 150.000 mensen, waaronder duizenden kinderen, kwamen om het leven. De fotograaf richtte zich op het onthullen van de duistere kant van deze instituten die vandaag de dag nog steeds actief zijn. Door af te wijken van de codes van de strenge documentaire, geeft de auteur de voorkeur aan een persoonlijke benadering waarbij hij zich terughoudend opstelt. Zijn nauwgezette composities tonen slechts een onvolledig beeld van de gebouwen, ondergedompeld in diepe stilte. Zijn boek I loved my wife, werd beloond met de Unseen Dummy Award (Amsterdam) en werd geselecteerd voor de Author Book Award Arles 2017 en de Kassel Photobookfestival 2017.

EN - Dieter De Lathauwer travelled through Austria to photograph psychiatric institutions that actively participated in the mass killing of mentally ill patients during the Nazi regime. Nearly 150,000 people, including thousands of children, lost their lives. The photographer sought to reveal the dark side of these institutions that are still operational today. Moving away from the conventions of the strict documentary, the author opted for a restrained personal approach. His meticulous compositions reveal only partial views of the buildings, immersed in profound silence. His book I loved my wife, was the winner of the Unseen Dummy Award (Amsterdam), shortlisted for the Arles Author Book Award of 2017 lists and the Kassel Photobook Award 2017.

Colin Delfosse www.colindelfosse.be

NL - Colin Delfosse, journalist van opleiding, richtte zich in 2006 tot de fotografie met een bijzondere aandacht voor de documentaire praktijk. Hij reist voornamelijk doorheen het Afrikaanse continent en op regelmatige basis naar de Democratische Republiek Congo. De serie To infinity and beyond vertelt het verhaal over de droom van de verovering van de ruimte in Congo, van de onderneming van de Duitse astrofysicus Lutz Kayzer onder het bewind van Mobutu tot de huidige tests van de onvermoeibare ingenieur Jean-Patrice Keka, die vastbesloten is om een Congolese satelliet in een baan om de aarde te sturen ondanks het totale gebrek aan middelen. Colin Delfosse (1981) woont en werkt in Brussel. Zijn werken worden regelmatig gepubliceerd in de pers en tentoongesteld in België en daarbuiten. Sinds 2016 is hij een van de oprichters van Médor, een trimestrieel Belgisch tijdschrift voor onderzoeksjournalistiek met een focus op fotografie.

© Colin Delfosse, Congo Afronaute. Performance. Kinshasa, 2016

FR - Journaliste de formation, Colin Delfosse se tourne vers la photographie en 2006 avec une attention toute particulière pour la pratique documentaire. Il voyage essentiellement sur le continent africain et de manière régulière en République démocratique du Congo. La série To infinity and beyond fait le récit des rêves de conquête spatiale au Congo, depuis l’entreprise de l’astrophysicien allemand Lutz Kayzer sous le régime de Mobutu, jusqu'aux essais actuels de l’infatigable ingénieur Jean-Patrice Keka, déterminé à envoyer un satellite congolais sur orbite malgré une absence totale de moyens. Colin Delfosse (1981) vit et travaille à Bruxelles. Ses travaux sont régulièrement publiés dans la presse et exposés en Belgique et ailleurs. En 2016, il cofonde le magazine belge Médor, trimestriel d’enquête et de récit qui publie également de la photographie.

EN - A journalist by training, Colin Delfosse turned to photography in 2006 with a particular focus on documentary. He travels mainly on the African continent and on a regular basis to the Democratic Republic of Congo. The series To infinity and beyond relates the Congolese dream of conquering space, from the efforts of German astrophysicist Lutz Kayzer under Mobutu’s regime to the current tests carried out by the indefatigable engineer Jean-Patrice Keka, who is determined to send a Congolese satellite into orbit despite a total lack of resources. Colin Delfosse (1981) lives and works in Brussels. His photographs are regularly published in the international press and exhibited in Belgium and abroad. Since 2016, he is one of the founding member of the Belgian investigative magazine Médor.

Annelies de Mey www.anneliesdemey.com

NL - Het werk van Annelies de Mey, die sinds het begin van de jaren negentig actief is en erkend wordt, onderscheidt zich door het picturale karakter van haar beelden en de zorg die ze besteedt aan haar boeken, die ze hoofdzakelijk zelf vormgeeft en uitgeeft. In de serie Black Mountain Conversations gaat de kunstenares de dialoog aan met een krachtig bergmassief dat stil en onveranderlijk voor de lens staat. Annelies de Mey (1959) woont en werkt in Gent. Ze is professor aan het KASK School of Arts (Gent), haar werk werd tevens tentoongesteld in het FOMU (Antwerpen) en in Contretype (Brussel). Haar beelden maken deel uit van de collecties van verschillende instellingen, zoals die van het Musée de la Photographie in Charleroi. Het boek Black Mountain Conversations werd genomineerd tot Best Photobook PHotoESPAÑA (2017).

© Annelies De Mey, Black Mountain Conversations

FR - Le travail d’Annelies de Mey, active et reconnue depuis le début des années 1990, se distingue par la picturalité de ses images et le soin qu'elle apporte à ses livres, pour la plupart auto-édités. Dans la série Black Mountain Conversations, l’artiste noue un dialogue avec un puissant massif montagneux qui se dresse silencieux et immuable devant l’objectif. Annelies de Mey (1959) vit et travaille à Gand. Enseignante à la KASK School of Arts (Gent), son travail a notamment été exposé au FOMU (Anvers) et à Contretype (Bruxelles). Ses œuvres ont rejoint les collections de plusieurs institutions, dont celle du Musée de la Photographie de Charleroi. L’ouvrage Black Mountain Conversations a été nominé aux Best Photobook de PHotoESPAÑA (2017).

EN - The work of Annelies de Mey, who has been active and recognized since the early 1990s, stands out through the pictorial nature of her images and her meticulous approach to her books, most of which are self-published. In the series Black Mountain Conversations, the artist engages in a dialogue with a powerful mountain massif that rises silent and unchanging in front of the lens. Annelies de Mey (1959) lives and works in Ghent. A teacher at KASK School of Arts (Ghent), her work has notably been exhibited at FOMU (Antwerp) and Contretype (Brussels). She is represented in the collections of several institutions, including the Musée de la Photographie of Charleroi. The book Black Mountain Conversations was nominated for the Best Photobook, PHotoESPAÑA (2017).

Bieke Depoorter www.biekedepoorter.com

NL - Bieke Depoorter’s relatie met haar onderwerpen en haar eigen reflexieve bevraging van de fotografie vormen de essentie van haar huidige artistieke praktijk. Het Agata-project focust op een jonge vrouw die ze in 2017 ontmoette in een stripclub in Parijs. De twee vrouwen begonnen vervolgens aan een creatieve samenwerking, waarbij de verhalen van Agata zich vermengen met die van de fotografe. Bieke Depoorter (1986) woont en werkt in Gent. In 2009 werd ze genomineerd bij Magnum waar ze in 2016 volwaardig lid werd. Ze heeft talrijke prijzen gewonnen, waaronder het Magnum Expression Award, de Larry Sultan Award en de Levallois-prijs. Haar werk wordt wereldwijd tentoongesteld en was het onderwerp van een belangrijke solotentoonstelling in het FOMU (Antwerpen).

© Bieke Depoorter, Agata, Beirut , Lebanon, August 2018

FR - Les relations que Bieke Depoorter tisse avec ses sujets, ainsi que ses propres questionnements réflexifs sur la photographie, fondent l’essence de sa pratique artistique actuelle. Le projet Agata se concentre sur une jeune femme rencontrée dans un club de strip-tease à Paris en 2017. S’engage alors entre les deux femmes une expérience de création collaborative, où les récits d’Agata s’entrelacent avec ceux de la photographe. Bieke Depoorter (1986) vit et travaille à Gand. Nominée en 2009 par l’Agence Magnum, elle en devient membre à part entière en 2016. Elle a remporté de nombreux prix, notamment le Magnum Expression Award, le Larry Sultan Award et le Prix Levallois. Exposé internationalement, son travail a également fait l’objet d’une importante exposition solo au FOMU (Anvers). EN - The relationships that Bieke Depoorter weaves with her subjects, as well as her own reflexive questions about photography, form the essence of her current artistic practice. The Agata project focuses on a young woman she met at a strip club in Paris in 2017. The two women then embarked on a joint creative experiment, in which Agata’s stories are entwined with those of the photographer. Bieke Depoorter (1986) lives and works in Ghent. A Magnum nominee in 2009, she became a full member in 2016. She has won many awards, including the Magnum Expression Award, the Larry Sultan Award et the Prix Levallois. Internationally exhibited, her work has been the subject of an important solo exhibition at FOMU (Antwerp).

Sanne De Wilde F R - Sanne De Wilde interroge constamment dans son travail le rôle des phénomènes génétiques dans les communautés et la façon dont ils affectent les existences humaines. Ses recherches combinent enquêtes de terrain, contributions scientifiques et mythologiques. La série Land of Ibeji, entreprise avec la photographe française Bénédicte Kurzen, explore le caractère magique et surnaturel attribué aux jumeaux dans la religion Yoruba. Sanne De Wilde (1987) vit et travaille entre la Belgique et les Pays-Bas. Sélectionnée par le British Journal of Photography parmi les 'best emerging talents from around the world' en 2014, elle a remporté de nombreux prix, parmi lesquels le World Press Photo (2019) pour son travail collaboratif Land of Ibeji. Ses photographies sont régulièrement publiées et exposées internationalement. En 2017, elle a rejoint le collectif NOOR. NL - In haar werk stelt Sanne De Wilde voortdurend vragen bij de rol van genetische fenomenen in gemeenschappen en de invloed ervan op het menselijke leven. Haar onderzoek combineert veldonderzoeken, wetenschappelijke en mythologische bijdragen. Haar recente serie Land of Ibeji, gemaakt met de Franse fotografe Bénédicte Kurzen, verkent het magische en bovennatuurlijke karakter dat aan de tweeling in de Yoruba-godsdienst wordt toegekend. Sanne De Wilde (1987) woont en werkt in België en Nederland. Ze werd in 2014 door de British Journal of Photography verkozen tot een van de 'best emerging talents from around the world', won meerdere prijzen waaronder de World Press Photo (2019) voor haar collaboratief werk Land of Ibeji. Haar foto’s worden regelmatig internationaal gepubliceerd en tentoongesteld. In 2017 sloot ze zich aan bij het NOOR collectief.

© Sanne de wilde, NIGERIA, Igbo-Ora, October 2018

www.sannedewilde.com

EN - In her work, Sanne De Wilde constantly questions the role of genetic phenomena in communities and how they affect human lives. Her research combines field surveys as well as scientific and mythological contributions. Her recent series Land of Ibeji, undertaken with French photographer Bénédicte Kurzen, explores the magical and supernatural qualities attributed to twins in the Yoruba religion. Sanne De Wilde (1987) lives and works in Belgium and in the Netherlands. Selected as one of 'the best emerging talents from around the world' in 2014 by the British Journal of Photography, she received many grants, including the World Press Photo (2019) for her collaborative project with Benedicte Kurzen for Land of Ibeji. Her photographs are regularly internationally published and exhibited. In 2017 she joined the NOOR collective.

Rebecca Fertinel www.rebeccafertinel.com FR - En 2015, Rebecca Fertinel fait connaissance avec le mode de vie de la communauté congolaise en Belgique. Fréquentant très régulièrement la diaspora congolaise, elle est également initiée au concept d’Ubuntu, selon lequel les conditions d'être d’un individu se définissent à partir de son lien aux autres et à la communauté. Ubuntu conjugue à la fois le désir d’appartenance à un groupe et la volonté d’en saisir la substance, à travers le rituel, la célébration et les moments secrets ou intimes qui les ponctuent. Rebecca Fertinel (1991) vit et travaille à Gand. Elle est diplômée de la KASK School of Arts (Gent) depuis 2018. Ubuntu, I am because we are, a remporté le Unseen Dummy Award (2018), ainsi que le prestigieux Sony World Press Award (2019).

© Rebecca Fertinel, Ubuntu, I am because we are

NL - In 2015 maakte Rebecca Fertinel kennis met de levenswijze van de Congolese gemeenschap in België. Als regelmatige bezoeker van de Congolese diaspora maakt ze ook kennis met het concept van Ubuntu, een concept dat inhoudt dat iemands levensomstandigheden worden bepaald door zijn of haar relatie tot anderen en de gemeenschap. Ubuntu combineert zowel het verlangen om tot een groep te behoren als het verlangen om de inhoud ervan te begrijpen, door middel van rituelen, vieringen en de geheime of intieme momenten die hen interpelleren. Rebecca Fertinel (1991) woont en werkt in Gent. In 2018 is ze afgestudeerd aan het KASK School of Arts (Gent). Ubuntu, I am because we are werd beloond met de Unseen Dummy (2018) en de gerenommeerde Sony World Press Award (2019). EN - In 2015 Rebecca Fertinel discovered the way of life of the Congolese community in Belgium. A regular visitor of the Congolese diaspora, she was also introduced to the concept of Ubuntu, according to which an individual’s conditions of being are defined by his or her relationship to the others and to the community. Ubuntu combines both the desire to belong to a group and the desire to grasp its substance through ritual, celebration and the secret or intimate moments that punctuate them. Rebecca Fertinel (1991) lives and works in Ghent. She graduated from the KASK School of Arts (Gent) in 2018. Ubuntu, I am because we are, has won the Unseen Dummy Award (2018), as well as the prestigious Sony World Press Award (2019).

Lara Gasparotto www.laragasparotto.be FR - Lara Gasparotto pratique une photographie spontanée qui puise sa source dans son environnement proche. Combinant différentes techniques photographiques, couleurs explosives et noir et blanc, échos à la peinture et aisance désinhibée, l’artiste déploie un univers plastique vivant et contrasté. Ses fragments de vie capturés dans le quotidien, se déploient dans un corpus qui tient plus de l’extase que du document. Lara Gasparotto (1989) vit et travaille dans la région de Liège. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles, dont notamment au Botanique (2017, Bruxelles), au Fotomuseum Den Haag (La Haye, 2017), au Musée de la Photographie de Charleroi (2014). Elle compte à son actif plusieurs publications aux Éditions Yellow Now, Lannoo et Ludion. Lara Gasparotto est représentée par la galerie Stieglitz 19, à Anvers.

EN - Lara Gasparotto practises a spontaneous type of photography that draws on her immediate surroundings. Combining different photographic techniques, explosive colours and black and white, echoes of painting and uninhibited ease, the artist develops a lively and contrasting visual universe. The fragments of life she captures in everyday life create a corpus that is more ecstatic than documentary. Lara Gasparotto (1989) lives and works in the region of Liège. Her work has been the subject of many solo exhibitions, notably at the Botanique (2017, Brussels), the Fotomuseum Den Haag (2017) and the Musée de la Photographie of Charleroi (2014). She has several publications under her belt edited by Yellow Now Editions, Lannoo and Ludion. Lara Gasparotto is represented by Stieglitz 19, in Antwerp.

© Lara Gasparotto

NL - Lara Gasparotto beoefent een spontane fotografie die haar oorsprong vindt in haar nabije omgeving. Door de combinatie van verschillende fotografische technieken, explosieve kleuren en zwart-wit, echo's van schilderkunst en ongeremd gemak, ontvouwt de kunstenares een levendig en contrastrijk plastisch universum. Met levensfragmenten gegrepen uit het alledaagse leven, ontspint zich in een corpus dat meer extase dan document is. Lara Gasparotto (1989) woont en werkt in de regio van Luik. Haar werk is het onderwerp geweest van talrijke solo tentoonstellingen, waaronder in de Botanique Brussel (2017), het Fotomuseum Den Haag (2017), het Musée de la Photographie van Charleroi (2014). Ze heeft meerdere boeken uitgegeven bij Éditions Yellow Now, Lannoo en Ludion. Lara Gasparotto wordt vertegenwoordigd door de Galerie Stieglietz19 in Antwerpen.

Geert Goiris www.geertgoiris.info FR - Geert Goiris s’intéresse en particulier aux zones d'incertitude dans lesquelles nos sens vacillent. Qu’il capture des phénomènes météorologiques rares ou des lieux ordinaires du quotidien, ses images semblent toujours étrangement familières et fantastiques à la fois. Chacune d’elle explore l’abîme qui s’étend entre l’expérience ressentie et le phénomène réel. Geert Goiris (1971) vit et travaille à Anvers. Son travail a largement été exposé en Belgique et à l’étranger, dont notamment au FRAC Normandie (Rouen, 2016), Vox (Montréal, 2014), Museum M (Louvain, 2013), Hamburger Kunsthalle (Hambourg, 2010). Ses photographies font partie de nombreuses collections privées et publiques telles que le Deutsche Börse Art Collection (Francfort), CNAP (Paris), le Mocp (Chicago), le Musée d’art Moderne de la Ville de Paris ou encore la Queensland Art Gallery, South Brisbane (Australie).

© Geert Goiris, Test for action, 2016

NL - Geert Goiris interesseert zich in het bijzonder in de onzekere gebieden waarin onze zintuigen aarzelen. Of hij nu zeldzame weersverschijnselen of gewone alledaagse plaatsen vastlegt, zijn beelden lijken altijd vreemd, vertrouwd en fantastisch op het zelfde moment. Elk van hen verkent de afgrond die zich uitstrekt tussen de ervaren ervaring en het echte fenomeen. Geert Goiris (1971) woont en werkt in Antwerpen. Hij heeft uitgebreid tentoongesteld in België en in het buitenland, waaronder in het FRAC Normandie (Rouen, 2016), Vox (Montreal, 2014), Museum M (Leuven, 2013), Hamburger Kunsthalle (Hamburg, 2010). Zijn beelden maken deel uit van privé-collecties en publieke collecties zoals die van Deutsche Börse Art Collection (Frankfurt), CNAP (Parijs), Mocp (Chicago), het Musée d’art Moderne de la Ville de Paris en het Queensland Art Gallery, South Brisbane (Australië). EN - Geert Goiris is interested in particular in those spaces of uncertainty in which our senses falter. Whether capturing rare weather phenomena or ordinary everyday places, his pictures always seem strangely familiar and at the same time fantastic. Each of them explores the abyss that stretches between the felt experience and the real phenomenon. Geert Goiris (1971) lives and works in Antwerp. His work has been widely exhibited in belgium and abroad, notably at the FRAC Normandie (Rouen, 2016), Vox (Montreal, 2014), Museum M (Leuven, 2013) and Hamburger Kunsthalle (Hamburg, 2010). His photographs are represented in many private and public collections including the Deutsche Börse Art Collection (Frankfurt), CNAP (Paris), Mocp (Chicago), the Musée d’art Moderne de la Ville de Paris and the Queensland Art Gallery, South Brisbane (Australia).

Tine Guns FR - A travers la vidéo, l’installation et le livre photo, l’artiste Tine Guns explore notre perception du temps. L'habileté de la photographie à pouvoir restituer en images fixes une réalité en mouvement est une question centrale dans son travail. En puisant son inspiration dans le cinéma ou dans les constructions narratives des maîtres japonais Hokusai ou Tezuka, Tine Guns élabore des séquences en fragments qui tentent de saisir l’expérience d’un moment furtif dans toute sa complexité. Tine Guns (1983) vit et travaille à Gand. Ses travaux ont été présentés dans plusieurs festivals internationaux, ainsi qu'à la Cinematek / BOZAR (Bruxelles), au Brakke Grond (Amsterdam) et au Casino (Luxembourg) notamment. Son livre auto-édité The Diver a fait partie des finalistes pour le First Book Award of MACK en 2015. En 2017, elle a reçu le Premier prix des arts visuels de Flandre Orientale. NL - Aan de hand van video, installatie en het fotoboek verkent kunstenares Tine Guns onze perceptie van de tijd. Het vermogen van de fotografie om een bewegende werkelijkheid te reproduceren in stilstaande beelden staat centraal in haar werk. Geïnspireerd door de cinema of door de verhalende constructies van de Japanse meesters Hokusai of Tezuka, ontwikkelt Tine Guns sequenties in fragmenten die de ervaring van een heimelijk moment in al zijn complexiteit proberen vast te leggen. Tine Guns (1983) woont en werkt in Gent. Haar werken werden getoond op meerdere internationale festivals evenals in de Cinematek / BOZAR (Brussel), Brakke Grond (Amsterdam) en in het Casino (Luxembourg). Haar boek uitgegeven in eigen beheer The Diver was bij de finalisten van First Book Award of MACK in 2015. In 2017, won ze de Provinciale Prijs voor Beeldende Kunst 2017 Oost Vlaanderen.

© Tine Guns, Rocambolesco

www.tineguns.com

EN - Through videos, installations and photo books, the artist Tine Guns explores our perception of time. Photography’s ability to reproduce a moving reality in still images is a central issue in her work. Drawing inspiration from cinema and from the narrative constructions of the Japanese masters Hokusai and Tezuka, Tine Guns develops sequences in fragments that attempt to capture the experience of a furtive moment in all its complexity. Tine Guns (1983) lives and works in Ghent. Her works have been shown at several international festivals, as well as the Cinematek / BOZAR (Brussels), Brakke Grond (Amsterdam) and at the Casino (Luxembourg). Her self-published book The Diver was shortlisted as a finalist in the 2015 First Book Awards of MACK. In 2017 she received the First Price of Visual Arts, East of Flanders, Belgium.

Antonio Jiménez Saiz

NL - Antonio Jimenez Saiz, een autodidactische fotograaf, nodigt het licht uit in de duisternis van zijn innerlijke leven. Of hij nu de dood op proef stelt of de dood van de geest nadert, de Brusselse fotograaf zoekt zichzelf op in de ander en in de intimiteit van de mysterieuze natuur, met een korrelige en fragiele, soms mystieke, soms speelse gevoeligheid. De titel van zijn eerste boek, Elite Controllers, is de naam die hij geeft aan mensen die besmet zijn met HIV en die van nature de vermenigvuldiging van de infectie onder controle hebben bij gebrek aan therapie. Bij deze HIV-positieve mensen is het virus, hoewel aanwezig, niet op te sporen. L., vastgelegd door Antonio Jiménez Saiz's lens, is al meer dan 30 jaar Elite Controllers. Antonio Jiménez Saiz (1959) woont in Brussel. Hij is de auteur van twee fotografische publicaties, No nos aprenden a morir en Elite Controllers, uitgegeven in eigen beheer in 2013.

© Antonio Jiménez Saiz

FR - Photographe autodidacte, Antonio Jiménez Saiz invite la lumière dans les ténèbres de sa vie intérieure. Qu’il aborde la mort en sursis ou la mort de l’esprit, le photographe bruxellois se cherche dans l’autre et dans la nature intimement mystérieuse, avec une sensibilité granuleuse et fragile, tantôt mystique, tantôt ludique. Le titre de son premier ouvrage, Elite Controllers, est le nom donné aux personnes infectées par le VIH qui contrôlent naturellement la multiplication de l’infection en l’absence de thérapie. Chez ces séropositifs, le virus, bien que présent, est indétectable. L., capturée par l’objectif d’Antonio Jiménez Saiz est Elite Controller depuis plus de 30 ans. Antonio Jiménez Saiz (1959) vit à Bruxelles. Il est l’auteur de deux ouvrages auto-édités, No nos aprenden a morir et Elite Controllers.

EN - Antonio Jimenez Saiz, a self-taught photographer, invites light into the darkness of his inner life. Whether dealing with death deferred or the death of the mind, the photographer from Brussels searches for himself in the other and in the intimate mystery of nature, with a grainy and fragile sensitivity, now mystical, now playful. The title of his first book, Elite Controllers, is the name given to people infected with HIV who control naturally the spread of the infection in the absence of any therapy. In these people with HIV, the virus, although present, is undetectable. Captured by the lens of Antonio Jiménez Saiz, L. has been an elite controller for more than 30 years. Antonio Jiménez Saiz (1959) lives in Brussels. He is the author of two self-published books: No nos aprenden a morir and Elite Controllers.

Katrin Kamrau www.katrinkamrau.de

© Katrin Kamrau, Testreihe IV (detail), 2015

FR - Katrin Kamrau s’intéresse aux processus de création d’images et à leurs rôles politiques et historiques dans la société occidentale. Sa pratique artistique nourrie par le féminisme et les sciences humaines, porte une attention particulière aux thématiques sociales, aux rapports de force, aux structures de pouvoir et aux réseaux de relations qui se tissent autour des images imprimées. Katrin Kamrau a participé à de nombreuses expositions, notamment à BOZAR (Bruxelles), M HKA (Anvers), Ikob (Eupen), W139 (Amsterdam), Bielefelder Kunstverein et Deichtorhallen (Hambourg). Elle a également reçu plusieurs prix dont les Gute Aussichten - New German Photography Prize, GWK Art Prize ainsi que le prix Fernand Baudin pour sa publication Das Objekt.

NL - Katrin Kamrau legt zich toe op de processen van beeldvorming en hun politieke en historische rol in de westerse samenleving. Haar artistieke praktijk, gevoed door het feminisme en de menswetenschappen, besteedt bijzondere aandacht aan sociale thema's, machtrelaties, machtsstructuren en relationele netwerken die rond gedrukte beelden zijn opgebouwd. Katrin Kamrau heeft deelgenomen aan talrijke tentoonstellingen, zoals in BOZAR (Brussel), M HKA (Antwerpen), Ikob (Eupen),W139 (Amsterdam), Bielefelder Kunstverein en Deichtorhallen (Hamburg). Ze won meerdere prijzen, waaronder het Gute Aussichten - New German Photography Prize, GWK Art Prize, evenals het Fernand Baudin-prijs voor haar publicatie Das Objekt.

EN - Katrin Kamrau is interested in the processes of image creation and in their political and historical roles in Western society. Nourished by feminism and human sciences, her artistic practice pays particular attention to social issues, power relations, power structures and networks of relationships that are built around printed images. Katrin Kamrau has taken part in many exhibitions, notably at BOZAR (Bruxelles), M HKA (Antwerp), Ikob (Eupen), W139 (Amsterdam), Bielefelder Kunstverein and Deichtorhallen (Hamburg). Her work has been granted with numerous awards and prizes like Gute Aussichten - New German Photography Prize, GWK Art Prize as well as the Fernand Baudin Prize for her publication Das Objekt.

Elodie Ledure

NL - Elodie Ledure tast het landschap af op zoek naar composities die door de natuur worden aangeboden of door haar in scène zijn gezet en gebouwd. Doorheen haar lens vervagen de oriëntatiepunten, worden de menselijke silhouetten van belichaming ontdaan en wordt het landschap gehumaniseerd om zo te transformeren tot iconen. Haar fotografie, die zowel plastic als poëtisch is, vertaald zich in verfijnde en bijna monochrome vormen. Elodie Ledure (1985) woont en werkt in Luik. Haar werk werd tentoongesteld in het Cultureel Centrum van Hasselt, in het FOMU (Antwerpen), tijdens het Festival Circulations (Parijs) en het Festival van Nida (Litouwen). Ze heeft ook een publicatie op haar actief, Apnée (2014), uitgegeven door Yellow Now, collectie Angles vifs.

© Elodie Ledure, Sion, 2014

FR - Elodie Ledure arpente le territoire en quête de compositions offertes par la nature ou mises en scènes et construites par ses soins. A travers son objectif, les repères se brouillent, les silhouettes humaines se désincarnent et le paysage s’humanise pour se transfigurer en icônes. Plasticienne et poétique, sa photographie se décline en formes épurées et presque monochromes. Elodie Ledure (1985) vit et travaille à Liège. Elle a notamment exposé au Centre culturel de Hasselt, au FOMU (Anvers), au Festival Circulations (Paris) et au Festival de Nida (Lituanie). Elle compte également une publication à son actif, Apnée (2014), Yellow Now, collection Angles vifs.

EN - Elodie Ledure wanders the world in search of compositions offered up by nature or staged and constructed by it. Seen through her lens, landmarks become blurred, human silhouettes grow disembodied, and the landscape is humanized and transformed into icons. Visual and lyrical, her photography is characterized by unadorned, almost monochrome forms. Elodie Ledure (1985) lives and works in Liège. She has notably exhibited at the Hasselt Cultural Center, FOMU (Antwerp), the Festival Circulations (Paris) and the Festival de Nida (Lithuania). She is also the author of the publication, Apnée (2014), Yellow Now, Angles vifs collection.

Matthieu Litt www.matthieulitt.com

© Matthieu Litt, Tidal Horizon

FR - Matthieu Litt développe un univers allusif et contemplatif qui convoque le sublime. Collectées lors de différents voyages, ses photographies réunies en séries proposent un examen poétique et philosophique de l’interaction entre l’Homme et la Nature. Horsehead Nebula entraîne le spectateur dans de vastes plaines d’Asie Centrale où la figure du cheval est omniprésente. Tidal Horizon est le fruit d’une résidence en Norvège et de l’observation assidue du mouvement perpétuel des marées. Matthieu Litt (1983) vit et travaille à Liège. Auteur de deux publications, il est régulièrement exposé en Belgique et à l’étranger. Il a fait partie de la sélection du tiff. (FOMU, 2016) et est également co-fondateur du Liège Photobook Festival.

NL - Matthieu Litt ontwikkelt een zinspelend en contemplatief universum dat herinnert aan het sublieme. Zijn foto's, verzameld tijdens verschillende reizen, bieden een poëtisch en filosofisch onderzoek naar de interactie tussen de mens en de natuur. De Horsehead Nebula neemt de toeschouwer mee naar de uitgestrekte vlakten van Centraal-Azië waar de figuur van het paard alomtegenwoordig is. Tidal Horizon is dan weer het resultaat van een residentie in Noorwegen en de onafgebroken observatie van de voortdurende beweging van de getijden. Matthieu Litt (1983) woont en werkt in Luik. Hij is de auteur van twee fotografische publicaties en werd regelmatig in België en in het buitenland tentoongesteld. Hij maakte deel uit van de selectie van .tiff (FOMU, 2016) en is ook medeoprichter van het Liège Photobook Festival.

EN - Matthieu Litt has developed an allusive and contemplative world that evokes the sublime. Collected over the course of several journeys, his series of photographs offer a lyrical and philosophical examination of the interaction between humankind and nature. Horsehead Nebula takes the viewer to the vast plains of Central Asia where the figure of the horse is ubiquitous. Tidal Horizon is the result of a residence in Norway and the assiduous observation of the perpetual movement of tides. Matthieu Litt (1983) lives and works in Liège. Author of two publications, his work is regularly exhibited in Belgium and abroad. He has been part of the tiff. selection (FOMU, 2016) and he is the co-founder of the Liège Photobook Festival.

Katherine Longly www.katherine-longly.net FR - Dans To tell my real intentions, I want to eat only haze like a hermit, la photographe plasticienne Katherine Longly interroge le rapport à la nourriture et au corps dans la société japonaise. L’acte de manger est intimement connecté à nos affects et agit en subtil révélateur de notre histoire sociale et familiale. En combinant diverses sources (archives, témoignages, illustrations), collectées lors de résidences au Japon, l’artiste a produit ce travail à la croisée de l'art et de l'anthropologie. Katherine Longly (1980), vit et travaille à Bruxelles. Elle est diplômée en photographie, communication et anthropologie. Son travail a été récompensé par divers prix, publications et expositions en Belgique et à l'étranger. Elle a également pris part à plusieurs résidences artistiques (Chine, France, Lettonie, Japon). © Katherine Longly , To tell my real intentions, I want to eat only haze like a hermits

NL - In To tell my real intentions, I want to eat only haze like a hermit, stelt beeldend fotografe Katherine Longly de relatie tussen voedsel en het lichaam in de Japanse samenleving in vraag. De handeling van het eten is nauw verbonden met onze affecten, en fungeert als een subtiele onthuller van onze sociale en familiegeschiedenis. Door het combineren van verschillende bronnen (archieven, getuigenissen, illustraties), verzameld tijdens residenties in Japan, maakte de kunstenares dit werk op het raakvlak tussen kunst en antropologie. Katherine Longly (1980), woont en werkt in Brussel. Ze is gediplomeerd in de fotografie, communicatie en anthropologie. Haar werk werd beloond met verschillende prijzen, publicaties en tentoonstellingen in België en in het buitenland. Ze nam deel aan meerdere artistieke residenties (China, Frankrijk, Letland, Japan). EN - In To tell my real intentions, I want to eat only haze like a hermit, visual artist and photographer Katherine Longly questions the relationship to food and the body in Japanese society. The act of eating is intimately connected to our affects and acts as a subtle revealer of our social and family history. By combining various sources collected during residencies in Japan (archives, testimonies, illustrations), the artist has produced a work at the intersection of art and anthropology. Katherine Longly (1980), lives and works in Brussels. She graduated in photography, communication and anthropology. Her work has been awarded with various prizes, publications and exhibitions in Belgium and abroad. She also took part in several artistic residencies (China, France, Japan).

Charlotte Lybeer www.charlottelybeer.be

NL - Het onderzoek van Charlotte Lybeer richt zich op actuele maatschappelijke fenomenen, symptomen die duiden op het onbehagen van onze tijd, die zich vertalen in pogingen om aan de maatschappij te ontsnappen. Daarnaast wordt bijzondere aandacht besteed aan het creëren van vluchtwerelden, gekristalliseerd in de vorm van kunstmatige realiteiten, gecontroleerde omgevingen of vrijwillig geïsoleerde gemeenschappen. Charlotte Lybeer (1981) woont en werkt in Gent. Haar werk wordt regelmatig tentoongesteld in België en in het buitenland en maakt deel uit van publieke collecties zoals die van het FOMU (Antwerpen). Ze publiceerde reeds vijf monografieën.

© Charlotte Lybeer, Terror Eyes, 2018 - Linus'Blanket

FR - Les recherches de Charlotte Lybeer se concentrent sur des phénomènes sociaux actuels, symptômes évocateurs du malaise de notre ère, qui se traduisent par des tentatives d’évasion de la société. Aussi, elle prête une attention particulière à la création de mondes-refuges, cristallisés sous la forme de réalités artificielles, d’environnements contrôlés ou de communautés volontairement isolées. Charlotte Lybeer (1981) vit et travaille à Gand. Son travail est régulièrement exposé en Belgique et à l’étranger et a rejoint plusieurs collections publiques dont celle du FOMU (Anvers). Elle compte à ce jour cinq ouvrages monographiques à son actif.

EN - Charlotte Lybeer’s research focuses on contemporary social phenomena, symptoms suggestive of the malaise of our era that translate into attempts to escape from society. She also pays particular attention to the creation of shelter-like worlds, crystallized in the form of artificial realities, controlled environments or voluntarily isolated communities. Charlotte Lybeer (1981) lives and works in Ghent. Her work is regularly exhibited in Belgium and abroad and is represented in several collections including the FOMU (Antwerp). She has already publish five monographs.

Chantal Maes turningphotography.be/#profile/chantal-maes

NL - Chantal Maes' werk handelt over de materialisatie van de ruimte van het denken en de taal. In Inward Whispers kijkt ze naar momenten waarop het masker van representatie verdwijnt en plaats maakt voor momenten van innerlijke monologen. De dialoog tussen twee mensen is het zwaartepunt van Tropismes. Het vangt deze "ondergrondse bewegingen die naar buiten worden gedragen" (Nathalie Sarraute, in L’ère du soupçon) door de woorden van de ander. Take a look from the inside laat de intense lichaamservaring van het spreken voor een stotteraar voelen. Elk werk leidt tot een relatie van inclusie of exclusie van de kijker. Chantal Maes (1965) woont en werkt in Brussel. Als hoogleraar aan de Academie voor Schone Kunsten in Brussel was haar werk te zien in het Musée de la Photographie van Charleroi, Vox (Montreal), de Kunsthal (Rotterdam) en het FOMU (Antwerpen). EN - Chantal Maes deals in her work with the materialization of the space of thought and language. In Inward Whispers, she watches for moments when the mask of representation slips and gives way to moments of interior monologue. The dialogue

© Chantal Maes, Sans titre (provisoire), 2016.- Tropismes

FR - Le travail de Chantal Maes traite de la matérialisation de l’espace de la pensée et du langage. Dans Inward Whispers, elle guette les moments où le masque de la représentation disparaît pour faire place à des instants de monologues intérieurs. Le dialogue entre deux personnes est le centre de gravité de Tropismes. Elle capte ces « mouvements souterrains portés au-dehors » (Nathalie Sarraute, in L’ère du soupçon) par les paroles de l’autre. Take a look from the inside révèle l’intensité de l'expérience corporelle qu'est la parole pour le bègue. Chaque travail induit un rapport d'inclusion ou d'exclusion du spectateur. Chantal Maes (1965) vit et travaille à Bruxelles. Professeure à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, son travail a été montré notamment au Musée de la Photographie de Charleroi, à Vox (Montréal), à la Kunsthal (Rotterdam) et au FOMU (Anvers).

between two people is the centre of gravity of Tropismes. She captures these ‘underground movements carried outside’ (Nathalie Sarraute, in L’ère du soupçon) through the words of the other. Take a look from the inside conveys the intense bodily experience that speech is for stammerers. Each work induces a relationship of inclusion or exclusion with regard to the viewer. Chantal Maes (1965) lives and works in Brussels. A professor at the Fine Arts Academy of Brussels, her work has been shown at the Photography Museum of Charleroi, Vox (Montreal), Kunsthal (Rotterdam) and FOMU (Antwerp).

Massao Mascaro www.massaomascaro.com FR - Dans son travail, Massao Mascaro est constamment en recherche d’un équilibre entre autobiographie, topographie et documentaire. Fasciné par la lumière, son vocabulaire esthétique s’est construit autour de son traitement. Le travail Jardin, entamé en 2015, aborde la représentation de la nature circonscrite par l’Homme dans un espace clos. L'artiste approche le concept de jardin sans jamais le figurer directement, mais en l’évoquant obstinément par fragments. Massao Mascaro (1990) vit et travaille à Bruxelles. Sa série Jardin a été exposée à BOZAR et a reçu en 2016 le prix BOZAR Monography Award. Il a également été montré à Contretype (Bruxelles) et au FOMU (Anvers). Soutenu par la Fondation A Stichting, il y présentera son nouveau travail What a big River en 2020.

© Massao Mascaro, jardin

NL - Massao Mascaro zoekt in zijn werk voortdurend naar een evenwicht tussen autobiografie, topografie en documentaire. Zijn esthetische woordenschat is opgebouwd rond zijn werkwijze, gefascineerd door licht. Het werk Jardin, dat in 2015 aangevat werd, richt zich op de representatie van de natuur die door de mens in een besloten ruimte wordt begrensd. De kunstenaar benadert het concept van de tuin zonder deze ooit direct af te beelden, maar door haar in fragmenten consequent op te roepen. Massao Mascaro (1990) woont en werkt in Brussel. Zijn serie Jardin werd tentoongesteld in BOZAR en werd in 2016 beloond met de BOZAR-prijs Monography Award. Het werd ook getoond bij Contretype (Brussel) en in het FOMU (Antwerpen). Ondersteund door de Fondation A Stichting, zal hij zijn nieuwe werk What a big River daar in 2020 voorstellen. EN - In his work, Massao Mascaro is constantly seeking a balance between autobiography, topography and documentary. Fascinated by light, his aesthetic vocabulary has grown around his treatment of it. Jardin, a work begun in 2015, addresses the representation of nature marked out by humankind in a confined space. The artist approaches the concept of the garden without ever depicting it directly, but by stubbornly evoking it in fragments. Massao Mascaro (1990) lives and works in Brussels. His series Jardin has been exhibited at BOZAR and received the BOZAR Monography Award in 2016. His work has also been shown at Contretype (Brussels) and at FOMU (Antwerp). Supported by the Fondation A Stichting, he will present his new work What a big River there in 2020.

Virginie Nguyen Hoang virginie-nguyen.photoshelter.com

© Virginie Ngyuen Hoang, Christian - Hmong

FR - Pratiquant une photographie documentaire, Virginie Nguyen Hoang traite de sujets touchant à l’exclusion sociale et aux conséquences des conflits sur les populations locales. Son travail sur les Hmongs fait le portrait d’un groupe ethnique persécuté depuis la fin de la guerre du Vietnam. D’abord proscrits du fait de leur coopération avec l’armée américaine, ils ont ensuite subi une nouvelle vague de récriminations dans les années 2000, après la conversion de près d’un tiers d’entre eux au protestantisme. Virginie Nguyen Hoang (1987) vit et travaille à Bruxelles. Membre du Studio Hans Lucas depuis 2012, Virginie Nguyen Hoang est également co-fondatrice du Collectif HUMA. Elle collabore régulièrement avec la presse internationale. Son travail a notamment été récompensé en 2018 par le Prix ANI-PixPalace, (Visa pour l'image, Perpignan). conflicten voor de lokale bevolking. Haar werk over de Hmong verbeeldt een etnische groep die sinds het einde van de Vietnamoorlog wordt vervolgd. Aanvankelijk werden ze verbannen vanwege hun samenwerking met het Amerikaanse leger, maar in de jaren 2000 kregen ze te maken met een nieuwe golf van beschuldigingen, nadat bijna een derde van hen zich tot het protestantisme had bekeerd. Virginie Nguyen Hoang (1987) woont en werkt in Brussel. Virginie Nguyen Hoang is sinds 2012 lid van Studio Hans Lucas en is mede-oprichtster van het HUMA Collective. Ze werkt regelmatig samen met de internationale pers. Haar werk werd in 2018 beloond met de ANI-PixPalace prijs, (Visa pour l'image, Perpignan).

EN - Practising a documentary form of photography, Virginie Nguyen Hoang deals with topics such as social exclusion and the impact of conflicts on local populations. Her work on the Hmong people draws the portrait of an ethnic group that has been persecuted since the end of the Vietnam War. First outlawed because of their collaboration with the US Army, they then suffered a new wave of recriminations in the 2000s after almost a third of the population converted to Protestantism. Virginie Nguyen Hoang (1987) lives and works in Brussels. A member of Studio Hans Lucas since 2012, Virginie Nguyen Hoang is also a co-founder of the HUMA Collective. She collaborates regularly with the international press. Her work won the ANI-PixPalace Prize, (Visa pour l'image, Perpignan). NL - Virginie Nguyen Hoang is een documentaire fotografe die zich buigt over onderwerpen die verband houden met sociale uitsluiting en de gevolgen van

Thomas Nolf www.thomasnolf.be

NL - Thomas Nolf bestudeerde jarenlang het merkwaardige fenomeen van de zogenaamde Bosnische piramides. Zijn project is opgebouwd rond een denkbeeldige tentoonstelling en combineert een documentaire benadering met gevonden foto's en populaire of pseudo-wetenschappelijke artefacten. De kunstenaar brengt zo nog meer verwarring in dit reeds dubbelzinnige onderwerp en blaast zo de politiek geladen publieke controverse over het bestaan van een oude beschaving in de regio nieuw leven in. Thomas Nolf (1986) woont en werkt in Gent. Zijn boek Peculiar Artifacts in Bosnia-and-Herzegovina - an imaginary exhibition, gepubliceerd door APE in 2017 werd genomineerd door het Book Awards van de Rencontres d’Arles in datzelfde jaar. Zijn werk werd geselecteerd voor het magazine .tiff en getoond in FOMU (Antwerpen) in 2018.

© Thomas Nolf

FR - Pendant plusieurs années, Thomas Nolf a étudié le phénomène curieux des pyramides bosniaques. Articulant son projet autour d’une exposition imaginaire, il conjugue approche documentaire, photos trouvées et artefacts populaires ou pseudo-scientifiques. L’artiste introduit ainsi une confusion supplémentaire à ce sujet déjà équivoque et ravive la controverse publique, chargée politiquement, quant à l’existence d’une ancienne civilisation dans la région. Thomas Nolf (1986) vit et travaille à Gand. Son livre Peculiar Artifacts in Bosnia-and-Herzegovina - an imaginary exhibition, publié chez APE en 2017 a été nominé par le Book Awards des Rencontres d’Arles la même année. Sélectionné pour le .tiff, il a également montré son travail au FOMU (Anvers) en 2018.

EN - For several years, Thomas Nolf studied the curious phenomenon of the so-called Bosnian pyramids. Basing his project on an imaginary exhibition, he combines a documentary approach, found photos and popular or pseudoscientific artefacts. The artist thus introduces further confusion into this already ambiguous subject and revives the politically charged public controversy regarding the existence of an ancient civilization in the region. Thomas Nolf (1986) lives and works in Ghent. His book Peculiar Artifacts in Bosnia-and-Herzegovina - an imaginary exhibition, published by APE in 2017 was nominated for the Book Awards of Les Rencontres d’Arles that same year. Selected for .tiff, his work has also been shown at FOMU (Antwerp) in 2018.

Camille Picquot www.camillepicquot.com FR - Camille Picquot interroge la perception du spectateur en introduisant des éléments disruptifs dans ses compositions. Aussi séduisantes que dérangeantes, ses images à première vue tirées de scènes quotidiennes appellent une seconde lecture. Dans un second temps en effet, il devient difficile d’extraire une logique des actions qui nous sont présentées. L’artiste choisit délibérément d’ignorer la frontière entre réalité et fiction et se sert de ce trouble pour explorer les sous-entendus de notre monde actuel. Camille Picquot (1990) vit et travaille à Bruxelles. Son livre Domestic Flight, a été publié par APE en 2018. Son travail photographique a fait l’objet d’expositions individuelles dont notamment au FOMU (Anvers) et au Brakke Grond (Amsterdam). Également cinéaste, elle a réalisé deux films dont Hollow Hours (2016) récompensé par le Vlaams Audiovisueel Fonds. NL - Camille Picquot stelt de perceptie van de kijker in vraag door verstorende elementen in haar composities te introduceren. Haar beelden die ontleend werden aan dagelijkse taferelen, zijn op het eerste gezicht even verleidelijk als verontrustend en nodigen uit tot een tweede lezing. Vervolgens wordt het moeilijk om een logica te ontlenen aan de acties die ons worden voorgelegd. De kunstenares kiest er bewust voor om de grens tussen realiteit en fictie te negeren en gebruikt deze wanorde om de insinuaties van onze huidige wereld te ontrafelen. Camille Picquot (1990) woont en werkt in Brussel. Haar boek Domestic Flight, werd gepubliceerd door APE in 2018. Haar werk was te zien in solo tentoonstellingen in het FOMU (Antwerpen) en in Brakke Grond (Amsterdam). Als filmmaker, maakte ze twee films waaronder Hollow Hours (2016) die werd beloond door het Vlaams Audiovisueel Fonds.

© Camille Picquot, No fear - Domestic Flight

EN - Camille Picquot questions the viewer’s perception by introducing disruptive elements into her compositions. As seductive as they are disturbing, her images, at first sight taken from everyday scenes, invite a second reading. Indeed, upon closer inspection, it becomes difficult to extract a logic from the actions presented to us. The artist deliberately chooses to ignore the boundary between reality and fiction and makes use of this uncertainty to explore the insinuations of our current world. Camille Picquot (1990) lives and works in Brussels. Her book Domestic Flight, was published by APE in 2018. Her photographic work has been presented in solo exhibitions, among others at FOMU (Antwerp) and Brakke Grond (Amsterdam). As a filmmaker, she directed two movies, notably Hollow Hours (2016) which was awarded a Wild Card by the Vlaams Audiovisueel Fonds.

Max Pinckers www.maxpinckers.be

NL - Max Pinckers verkent de strategieën die in de documentaire fotografie worden toegepast. In zijn werk hanteert hij een subjectieve benadering, die zich manifesteert in de regie van de scène, het gebruik van theatrale belichting en de deelname van figuranten. Elk van zijn projecten is het onderwerp van diepgaande studies, welke hij combineert met heel wat improvisatie. Zo bereikt hij onverwachte, kritische, poëtische en toch documentaire beelden. Max Pinckers (1988) woont en werkt in Brussel. Hij werkt momenteel aan een doctoraat aan het KASK School of arts (Gent) en ontving vele internationale prijzen waaronder de Edward Steichen Award Luxemburg 2015 en de Leica Barnack Award 2018. In 2015 richtte hij de onafhankelijke uitgeverij Lyre Press op. EN - Max Pinckers explores the strategies implemented in documentary photography. In his work he deploys a subjective approach, which is rendered explicit through stage direction, the use of theatrical lighting and the participation of extras. Each of his projects is the subject of in-depth studies which he combines with a

© Max Pinckers, Margins of Excess, 2018

FR - Max Pinckers explore les stratégies mises en œuvre dans la photographie documentaire. Il revendique dans son travail une approche subjective, qu’il rend manifeste par une direction scénique, l’usage d’un éclairage théâtral et la participation de figurants. Chacun de ses projets fait l’objet d’études approfondies, qu’il combine avec une large part d’improvisation. Il obtient ainsi des images inattendues, critiques, poétiques et pourtant documentaires. Max Pinckers (1988) vit et travaille à Bruxelles. Il poursuit actuellement un doctorat à la KASK School of Arts (Gand) et a reçu de nombreuses récompenses internationales, parmi lesquelles le Edward Steichen Award Luxembourg 2015 et le Leica Oskar Barnack Award 2018. En 2015 il a fondé la maison d’édition indépendante Lyre Press.

fair share of improvisation. Following this method, he obtains unexpected, critical, poetic and yet documentary pictures. Max Pinckers (1988) lives and works in Brussels. He is currently a doctoral researcher at the KASK School of Arts (Ghent) and has received multiple international awards, such as the Edward Steichen Award Luxembourg 2015 and the Leica Oskar Barnack Award 2018. In 2015 he founded the independent publishing house Lyre Press.

Stéphanie Roland www.stephanieroland.be

NL - Stéphanie Roland is vooral geïnteresseerd in de onzichtbare entiteiten die ontstaan door de werking van onze samenleving. Haar werk stelt de mogelijkheden in vraag om de spectra van de westerse beschaving weer te geven. Van financiële producten tot spookeilanden, van vliegtuigzwarte lijsten tot the Deep Web, de kunstenares poogt in een dialectisch spel tussen fysieke aanwezigheid en immaterialiteit, realiteit en fictie, deze verborgen fenomenen te belichamen. Stéphanie Roland (1984) woont en werkt in Brussel. De projecten van deze multidisciplinaire en visuele kunstenares werden getoond in instellingen waaronder het Musée du Louvre (Parijs), het Benaki Museum (Athene), Le Botanique (Brussel), het MOPLA (Los Angeles) en BOZAR (Brussel). In 2017 nam ze deel aan de collectieve tentoonstelling van het Antarctica Paviljoen tijdens de 57ste Biënnale van Venetië.

© Stéphanie Roland, Phantom Island (Baltia)

FR - Stéphanie Roland s’intéresse tout particulièrement aux entités invisibles générées par le fonctionnement de notre société. Son travail questionne les possibilités de représentation des spectres de la civilisation occidentale. Des produits financiers aux îles fantômes, des listes noires d’aviation au Deep web, l'artiste s'emploie, dans un jeu dialectique entre présence physique et immatérialité, réalité et fiction, à incarner ces phénomènes cachés. Stéphanie Roland (1984) vit et travaille à Bruxelles. Artiste visuelle multidisciplinaire, ses projets ont été présentés dans des institutions telles que le Musée du Louvre (Paris), le Musée Benaki (Athènes), le Botanique (Bruxelles), le MOPLA (Los Angeles) et BOZAR (Bruxelles). En 2017, elle a participé à l’exposition collective du Pavillon de l’Antarctique lors de la 57ème Biennale de Venise.

EN - Stéphanie Roland is interested in the invisible entities generated by the way our society functions. Her work questions the possibilities of representing the spectres of Western civilization. From financial products to ghost islands, from aviation blacklists to the Deep Web, the artist strives to embody these hidden phenomena by means of a dialectical game between physical presence and immateriality, reality and fiction. Stéphanie Roland (1984) lives and works in Brussels. A visual and multidisciplinary artist, her projects have been presented in major institutions including the Louvres Museum (Paris), Benaki Museum (Athens), Botanique (Brussels), MOPLA (Los Angeles) and BOZAR (Brussels). In 2017 she took part in the group exhibition of the Antartica Pavillon at the 57th Venice Biennale.

Jan Rosseel www.janrosseel.com

© Jan Rosseel, Belgian Autumn. A confabulated History.

FR - Jan Rosseel construit des récits visuels à partir d’évènements historiques. Ses constructions narratives reposent sur une approche documentaire et journalistique rigoureuse basée sur des faits réels, auxquels il ajoute des éléments de fiction. Il questionne ainsi la fiabilité de notre mémoire et de nos interprétations. Jan Rosseel (1979) est professeur à la Royal Academy of Arts de La Haye et professeur invité des masters de photographie à l’AKV de Breda, à LUCA School of Arts à Bruxelles et Genk. Il collabore régulièrement avec la presse internationale et son travail est exposé en Belgique et à l’étranger, notamment ces dernières années au FOAM (Amsterdam), au FOMU (Anvers) et au Museum Dr Guislain (Gand). NL - Jan Rosseel bouwt visuele verhalen op grond van historische gebeurtenissen. Zijn narratieve constructies zijn gebaseerd op een rigoureuze documentaire en journalistieke benadering, gebaseerd op reële feiten, waaraan hij elementen van fictie toevoegt. Zo stelt hij de betrouwbaarheid van ons geheugen en onze interpretaties in vraag. Jan Rosseel (1979) is docent aan de Royal Academy of Arts in Den Haag en gastdocent voor de masters in fotografie aan de AKV van Breda en LUCA School of Arts in Brussel en in Genk. Hij werkt regelmatig samen met de internationale pers en zijn werk wordt in België en in het buitenland tentoongesteld, de voorbije jaren namelijk in het FOAM (Amsterdam), het FOMU (Antwerpen) en het Museum Dr Guislain (Gent). EN - Jan Rosseel builds visual narratives on the basis of historical events. His narrative constructions are based on a rigorous documentary and journalistic approach founded on real facts, to which he adds elements of fiction. He thus questions the reliability of our memory and our interpretations. Jan Rosseel (1979) is a lecturer at the Royal Academy of Arts in The Hague and has been guest lecturer at the Master of Photography AKV St. Joost in Breda and MA Photography LUCA School of Arts in Brussels and Genk. He collaborates regularly with the international press and his work has been exhibited in Belgium and abroad, notably in recent years at FOAM (Amsterdam), FOMU( Antwerp) and Museum Dr Guislain (Ghent).

Dries Segers www.driessegers.com

© Dries Segers, Atmospheric render (blue), 2017 - Hits of Sunshine

FR - Dans son travail, Dries Segers ne cesse de repousser les limites du médium photographique. Ce qui échappe à son contrôle est précisément ce qui suscite l’objet de ses recherches plastiques. En réalisant des expérimentations techniques et chimiques, il s’attache à mettre en place toutes les conditions pour que surgissent des images déconcertantes et imprévisibles qui semblent relever d’explorations cosmiques. Dries Segers (1990) vit et travaille à Bruxelles. Son travail a été exposé notamment à la Weekend Room (Seoul), au Brakke Grond (Amsterdam), au Botanique (Bruxelles), à la Neue Galerie (Ausberg, Allemagne), Warte für Kunst (Kassel), 019 (Gand), BOZAR (Bruxelles), Tique art space (Anvers), De Warande (Turnhout, Belgique) et au FOMU (Anvers). Il est représenté par DMW Art Space, Anvers. NL - Dries Segers verlegt in zijn werk voortdurend de grenzen van het fotografische medium. Wat buiten zijn macht ligt, is precies datgene wat aanleiding geeft tot het object van zijn beeldend onderzoek. Door het uitvoeren van technische en chemische experimenten streeft hij ernaar alle voorwaarden te scheppen voor het ontstaan van verontrustende en onvoorspelbare beelden die deel lijken uit te maken van de kosmische exploratie. Dries Segers (1990) woont en werkt in Brussel. Zijn werk werd tevens tentoongesteld in het Weekend Room (Seoul), De Brakke Grond (Amsterdam), Botanique (Brussel), Neue Galerie (Ausberg, Duitsland), Warte für Kunst (Kassel), 019 (Gent), BOZAR (Brussel), Tique art space (Antwerpen), De Warande (Turnhout, België) en in het FOMU (Antwerpen). Hij wordt vertegenwoordigd door DMW Art Space (Antwerpen). EN - In his work, Dries Segers constantly pushes back the boundaries of the photographic medium. What escapes his control is precisely what gives rise to the object of his artistic research. By carrying out technical and chemical experiments, he strives to create the conditions necessary for the emergence of disconcerting and unpredictable images that resemble cosmic explorations. Dries Segers (1990) lives and works in Brussels. His work has been exhibited notably at The Weekend Room (Seoul), De Brakke Grond (Amsterdam), Botanique (Brussels), Neue Galerie (Ausberg, Germany), Warte für Kunst (Kassel), 019 (Ghent), BOZAR (Brussels), Tique art space (Antwerp), De Warande (Turnhout, Belgium) and FOMU (Antwerp). He is represented by DMW Art Space, Antwerp.

Alexey Shlyk www.alexeyshlyk.com

© Alexey Shlyk, The Potato Picker, 2016 - the Appleseed Necklace

FR - La démarche photographique d’Alexey Shlyk relève de l’installation, aussi bien dans la composition de ses images, le plus souvent mises en scènes, que dans la construction de ses expositions. Son travail plastique, aux accents parfois humoristiques, révèlent des enjeux personnels, culturels et politiques. Alexey Shlyk (1986) vit et travaille à Anvers. Son travail a notamment été exposé au Musée des Beaux-Arts de Minsk, au Musée d’art contemporain de Saint-Pétersbourg, au Duloun Museum of Modern Art (Shanghai). Il a participé à plusieurs festivals internationaux dont Breda Photo (2016) et le Belfast Photo Festival. Il a également été nominé pour le Prix Levallois (2017) et a reçu les prix de ArtContest (Bruxelles, 2017), ainsi que le LensCulture Emerging Talent Award (2017). NL - Alexey Shlyks’s fotografische benadering hoort tot de installatie, zowel in de compositie van zijn veelal geënsceneerde beelden, als in de opbouw van zijn tentoonstellingen. Zijn beeldende werk, soms met humoristische accenten, onthult persoonlijke, culturele en politieke kwesties. Alexey Shlyk (1986) woont en werkt in Antwerpen. Hij werd onder andere tentoongesteld in het Minsk Fine Arts Museum, het Sint-Petersburg Contemporary Arts Museum en het Duloun Museum of Modern Arts (Shangai). Hij nam deel aan meerdere internationale festivals waaronder Breda Foto (2016) en het Belfast Photo Festival. Hij werd tevens genomineerd voor de Levallois prijs (2017) en ontving de ArtContest prijs (Brussel, 2017) en de LensCulture Emerging Talent Award (2017). EN - Alexey Shlyk’s approach to photography borrows from installation art, both in the composition of his images, which are generally staged, and in the construction of his exhibitions. His artistic work, which is sometimes of a humorous nature, highlights personal, cultural and political issues. Alexey Shlyk (1986) lives and works in Antwerp. His work has been notably exhibited at the Museum of Modern Fine Art (Minsk), the Erarta Museum of Contemporary Art (Saint-Petersburg), and The Duloun Museum of Modern Art (Shanghai). He participated in several international festivals including Breda Photo (2016) and Belfast Photo Festival. He was also shortlisted for the Levallois Prize (2017) and has won the ArtContest award (Brussels, 2017), as well as the LensCulture Emerging Talent Award (2017).

Titus Simoens www.titussimoens.com

NL - Beeldend kunstenaar Titus Simoens combineert fotografie, tekst en video. Zijn werk weerspiegelt een benadering die zowel documentair is als een weerpiegeling van zijn praktijk. Hij bevraagt voortdurend zijn eigen relatie tot het onderwerp waar hij over handelt en de bewuste of onbewuste strategieën die hij gebruikt om een verhaal te creëren. Titus Simoens (1985) woont en werkt in Gent. Zijn werk verscheen in meerdere publicaties, namelijk bij la Fondation MRO (Arles), Kunsthal Rotterdam, BOZAR (Brussel) en het festival Les Boutographies (Montpellier). Onder de diverse publicaties werd For Brigitte in 2018 geselecteerd voor de Author Book Awards van les Rencontres d’Arles, als Best Photography Book bij PHotoESPAÑA en voor het Kassel Photobook Award. Hij behoorde tevens tot de selectie van de .tiff (FOMU, Antwerpen) in 2019.

© Titus Simoens, from the book For Brigitte

FR - L'artiste visuel Titus Simoens conjugue photographie, texte et vidéo. Basé sur les relations interpersonnelles et l’humain, son travail est le reflet d’une approche à la fois documentaire et réflexive sur sa pratique. Il y interroge constamment son propre rapport avec le sujet qu’il traite et les stratégies conscientes ou inconscientes qu’il met en œuvre pour créer un récit. Titus Simoens (1985) vit et travaille à Gand. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions, notamment à la Fondation MRO (Arles), à la Kunsthalle de Rotterdam, à BOZAR (Bruxelles) ou au festival Les Boutographies (Montpellier). Parmi ses différentes publications, For Brigitte a été sélectionné en 2018 pour le Author Book Award des Rencontres d’Arles, pour le Best Photography Book à PHotoESPAÑA, ainsi que pour le Kassel Photobook Award. Il a également fait partie de la sélection 2019 du .tiff (FOMU, Anvers).

E N - Visual artist Titus Simoens combines photography, text and video. His work suggests an approach that is both documentary and reflexive. In it he constantly questions his own relationship to his subject and the conscious or unconscious strategies he uses to create a story. Titus Simoens (1985) lives and works in Ghent. His work has been the subject of several exhibitions, notably at the Fondation

MRO (Arles), Kunsthal Rotterdam, BOZAR (Brussels) and the festival Les Boutographies (Montpellier). Among his publications, For Brigitte has been nominated in 2018 for the Author Book Award of les Rencontres d’Arles, the Best Photography Book of PHotoESPAÑA, as well as the Kassel Photobook Award. He was also part of the .tiff selection in 2019 (FOMU, Antwerp).

Dominique Somers www.dominiquesomers.com FR - Le titre du livre 00A de Dominique Somers fait référence à une partie du film argentique destinée à la coupe lors du développement des négatifs. Pendant plusieurs années, l’artiste a collecté des centaines de ces rebuts de pellicule. Ces images sans photographe ou ces photographies sans image, fragmentaires et souvent abstraites, ont été soigneusement sélectionnées et séquencées. Leur succession et leur mise en page provoquent des rencontres insolites et curieux rythmes. Dominique Somers (1969) vit à Anvers et travaille à Gand. Actuellement en recherche doctorale à l’Université de Gand, son travail est régulièrement présenté en Belgique et à l’étranger. Son livre 00A, publié chez APE a été nominé aux Paris Photo Aperture PhotoBook Awards et Best Photobook lors des Rencontres d'Arles en 2016.

© Dominique Somers, 00A

NL - De titel van Dominique Somers' boek 00A verwijst naar een deel van de zilverfilm die gebruikt wordt om tijdens de ontwikkeling van negatieven te snijden. Enkele jaren lang verzamelde de kunstenaar honderden van deze filmfragmenten. Deze beelden zonder fotograaf of foto's zonder beeld, fragmentarisch en vaak abstract, zijn zorgvuldig geselecteerd en geordend. Hun opeenvolging en indeling roepen ongewone ontdekkingen en merkwaardige ritmes op. Dominique Somers (1969) woont en werkt in Gent. Momenteel doet zij daar haar doctoraatsonderzoek aan de Universiteit. Zij wordt regelmatig in België en in het buitenland tentoongesteld. Haar boek 00A, uitgegeven bij APE werd genomineerd voor de Paris Photo Aperture PhotoBook Awards en als Best Photobook tijdens les Rencontres d’Arles in 2016. EN - The title of Dominique Somer's book 00A refers to that part of the photographic film intended to be cut when developing the negatives. Over the course of several years, the artist collected hundreds of these scraps of film. These images without a photographer, or photographs without an image, both fragmentary and often abstract, have been carefully selected and sequenced. Their succession and layout trigger [MOU2] unusual encounters and curious rhythms. Dominique Somers (1969) lives in Antwerp and works in Ghent. Currently a PhD researcher in the Faculty of Fine Arts, at the University College Ghent, her work is regularly presented in Belgium and abroad. Her book 00A, published by APE has been shortlisted for both the Paris Photo Aperture PhotoBook Awards and Best Photobook at Les Rencontres d'Arles in 2016.

Marie Sordat www.mariesordat.net

© Marie Sordat, Motherland, 2012

FR - Marie Sordat pratique la photographie de manière instinctive. Son univers esthétique est brumeux, vibrant et contrasté. Silhouettes charbonneuses, paysages enneigés semblent tout droit sortis d’une rêverie nocturne. Plus introspective que documentaire, sa photographie allie profonde noirceur et infinie tendresse. Marie Sordat (1976) vit et travaille à Bruxelles. Sa monographie EMPIRE est parue aux Éditions Yellow Now en 2015. Depuis 2004, son travail est présenté dans des festivals, musées et galeries internationales. Également commissaire indépendante, elle a notamment conçu l’exposition Eyes Wild Open au Botanique (Bruxelles, 2018) et dirigé la publication du livre, publié aux Éditions André Frère la même année.

NL - Marie Sordat beoefent de fotografie instinctief. Haar esthetische universum is mistig, levendig en contrastrijk. Kolenachtige silhouetten, besneeuwde landschappen lijken recht uit een nachtdroom te ontspringen. Meer introspectief dan documentair, combineert haar fotografie diepe duisternis met oneindige tederheid. Marie Sordat (1976) woont en werkt in Brussel. Haar monografie EMPIRE werd gepubliceerd door Editions Yellow Now in 2015. Sinds 2004 wordt haar werk gepresenteerd in internationale festivals, musea en galerijen. Als onafhankelijke curator creëerde ze de tentoonstelling Eyes Wild Open in de Botanique (Brussel, 2018) en begeleidde ze de publicatie van het boek, dat in datzelfde jaar werd uitgegeven door Editions André Frère.

EN - Marie Sordat practises photography instinctively. Her aesthetic universe is hazy, vibrant and full of contrasts. Sooty silhouettes and snow-covered landscapes seem to come straight out of a nocturnal dream. More introspective than documentary, her photography combines profound darkness and infinite tenderness. Marie Sordat (1976) lives and works in Brussels. Her monograph EMPIRE was published by Editions Yellow Now in 2015. Since 2004 her work has been presented in international festivals, museums and galleries. An independent curator, she conceived the exhibition Eyes Wild Open at the Botanique (Brussels, 2018) and edited the catalogue published that same year by Editions André Frère.

Elsa Stubbé www.elsastubbe.com

NL - In haar praktijk combineert Elsa Stubbé fotografie, tekst, documenten en archiefbeelden die ze grafisch verwerkt. Ontstaan uit haar omzwervingen, benaderen haar beelden de relatie van de westerse mens tot de natuur en de mythes die hij daarmee in stand houdt. Voor het project Les extraterrestres ont mangé mon jardin, voedt ze haar werk voornamelijk met 19e eeuwse wetenschappelijke boeken en sciencefictionverhalen uit de jaren ´50. Elsa Stubbé (1991) woont en werkt in België en Frankrijk. Sinds 2016, heeft ze drie fotografische projecten uitgegeven in eigen beheer. Haar werken werden tevens tentoongesteld tijdens de BIP/Biennale de l’Image Possible 2018 in Luik, VuPhoto (Québec), in Contretype (Bruxelles) en werden genomineerd voor de Leica-prijs Oskar Barnack 2018 en voor de Voies Off-prijs 2018 (Arles).

© Elsa Stubbé

FR - Dans sa pratique, Elsa Stubbé mêle photographie, écriture, documents et images d’archives sur lesquelles elle intervient graphiquement. Nées de ses errances, ses images abordent le rapport de l’Homme occidental avec la nature et les mythes qu’il entretient avec elle. Pour le projet Les extraterrestres ont mangé mon jardin, elle a principalement nourri son travail d’ouvrages scientifiques du XIXe siècle et de récits de science-fiction des années cinquante. Elsa Stubbé (1991) vit et travaille en Belgique et en France. Depuis 2016, elle a réalisé trois projets photographiques auto-édités. Ses travaux ont été exposés notamment lors de la BIP/ Biennale de l’Image Possible (Liège, 2018), à VuPhoto (Québec), à Contretype (Bruxelles) et présentés au prix Leica Oskar Barnack 2018 et au prix Voies Off 2018 (Arles).

EN - In her practice, Elsa Stubbé combines photography, writing, documents and archival images on which she makes graphic interventions. Born from her wanderings, her pictures tackle the relationship between Western humankind and nature, and the myths it maintains with nature. For the project Les extraterrestres ont mangé mon jardin, she mainly drew on nineteenth-century science books and 1950s science-fiction stories. Elsa Stubbé (1991) lives and works between Belgium and France. Since 2016, she edited three self-published photobooks. Her works have been exhibited notably at the BIP/Biennale de l’Image Possible (Liège, 2018), VuPhoto (Quebec), Contretype (Brussels) and were selected for the Leica Oskar Barnack award 2018 as well as the Voies Off Prize 2018 (Arles).

Gaël Turine www.gaelturine.com FR - Gaël Turine est l’auteur de plusieurs livres, dont Aveuglément, Le mur et la peur dans la collection Photo Poche, Avoir 20 ans à Kaboul, Voodoo et plus récemment En bas la ville, consacré à la ville de Port-au-Prince. Son travail est exposé dans des galeries, musées et lors de festivals. Ses reportages sont publiés dans la presse internationale (Le Monde, The New York Times, Stern, Figaro magazine, L’Espresso, Geo, De Standaard, Newsweek Japan,…). Il s’est vu décerné plusieurs prix et a bénéficié de bourses en Europe et aux Etats-Unis. Gaël Turine enseigne le photojournalisme à l’Université Libre de Bruxelles et anime des workshops de photographie documentaire dans de nombreux pays. Il a notamment coordonné des cycles de formations de longues durées en Haïti, en Turquie et au Sénégal. Il est membre fondateur de l’agence MAPS, dont il est président depuis sa création © Gael Turine, Un prêtre vaudou en dialogue mystique avec l’une des adeptes présentes lors de la cérémonie organisée à l'arrière d’une maison de Floride, USA, 2009

NL - Gaël Turine is de auteur van verschillende boeken, waaronder Aveuglément, Le mur et la peur in de collectie Photo Poche, Avoir 20 ans à Kaboul, Voodoo en meer recent En bas la ville, gewijd aan de stad Port-au-Prince. Zijn werk wordt tentoongesteld in galerijen, musea en festivals. Zijn reportages verschenen in de internationale pers (Le Monde, The New York Times, Stern, Figaro magazine, L'Espresso, Geo, De Standaard, Newsweek Japan,....). Hij heeft prijzen en beurzen ontvangen in zowel Europa als de Verenigde Staten. Gaël Turine doceert fotojournalistiek aan de Université Libre de Bruxelles en geeft wereldwijd workshops documentaire fotografie. In het bijzonder heeft hij langdurige opleidingen gecoördineerd in Haïti, Turkije en Senegal. Hij is stichtend lid van het MAPS-agentschap, dat hij sinds de oprichting voorzit.

EN - Gaël Turine is the author of several books, including Aveuglément, Le mur et la peur in the Photo Poche series, Avoir 20 ans à Kaboul, Voodoo and more recently En bas la ville, devoted to the city of Port-au-Prince. His work has been exhibited in galleries, museums and festivals. His reports have been published in the international press (Le Monde, The New York Times, Stern, Figaro magazine, L’Espresso, GEO, De Standaard, Newsweek Japan, etc.). He has been awarded prizes and scholarships in Europe and the United States. Gaël Turine teaches photojournalism at the Université libre de Bruxelles and leads workshops on documentary photography in many countries. He has coordinated long-term training courses in Haiti, Turkey and Senegal. He is a founding member of the MAPS agency, which he has chaired since its inception.

Stephan Vanfleteren www.stephanvanfleteren.com

NL - Stephan Vanfleteren is een specialist in zwart-wit portretten en staat ook bekend om zijn langdurige reportages zowel in België als in het buitenland. Zijn werk is bekroond met verschillende World Press Photo Awards en hij produceerde talrijke fotoprojecten voor musea. Hij publiceert regelmatig portretten voor Le Monde, De Standaard, De Morgen en diverse internationale tijdschriften. Hij is de auteur van talrijke monografieën, waaronder Surf Tribe, Portret 1989-2009, Atlantic Wall, Façades & Vitrines, En avant marche, Flandrien evenals Belgicum, die een diepgaande invloed heeft gehad op de geschiedenis van het fotoboek in België. Stephan Vanfleteren (1969) is medeoprichter van Kannibaal/Hannibal Publishing, waar hij de artistieke leiding heeft.

© Stephan Vanfleteren, Koekelberg, Brussels, Belgium - BELGICUM

FR - Spécialiste des portraits en noir et blanc, Stephan Vanfleteren est également connu pour les reportages au long cours qu’il effectue en Belgique et à l’étranger. Son travail a été récompensé par plusieurs World Press Photo Awards et il a produit de nombreux projets photographiques pour des Musées. Il publie régulièrement des portraits pour Le Monde, De Standaard, De Morgen et divers magazines internationaux. Il est l’auteur de nombreuses monographies: Surf Tribe, Portret 1989-2009, Atlantic Wall, Façades & Vitrines, En avant marche, Flandrien ainsi que Belgicum, qui a profondément marqué l’histoire du livre photo en Belgique. Stephan Vanfleteren (1969) est le cofondateur des Éditions Kannibaal/Hannibal, où il occupe le poste de directeur artistique.

EN - A specialist of black-and-white portraits, Stephan Vanfleteren is also known for his long-term reporting in Belgium and abroad. His work has been rewarded with several World Press Photo Awards and he has produced many photographic projects for museums. The author of several books, he regularly publishes portraits for Le Monde, De Standaard, De Morgen and various international magazines. He is the author of numerous monographs, including Surf Tribe, Portret 1989-2009, Atlantic Wall, Façades & Vitrines, En avant marche, Flandrien as well as Belgicum, that left a lasting mark on the history of the photo book in Belgium. Stephan Vanfleteren (1969) is the co-founder of Kannibaal/Hannibal Publishing, where he serves as artistic director.

Sébastien Van Malleghem www.sebastienvanmalleghem.eu

© Sébastien Van Mallghem, Nordic Noir, Scandinavie, 2012 - 2017

FR - Sébastien Van Malleghem est l'auteur d’un univers aux contrastes incisifs. Ses reportages, animés par un sentiment d’urgence, convoquent fractures humaines et dysfonctionnements de notre société. En 2013, il s’engage dans un véritable corps-à-corps avec la Scandinavie. Brutale et passionnelle, cette rencontre prolongée fera naître la série Nordic Noir, un voyage photographique nocturne et introspectif. Sébastien Van Malleghem (1986) vit et travaille en Belgique. Internationalement exposé et publié, son travail a également fait l’objet de plusieurs ouvrages monographiques, dont Police (Yellow Now, 2012), Prisons (Éditions André Frère, 2015), Nordic Noir (Éditions André Frère, 2018) et Mexican Morgues (Éditions Photo Paper, 2019). Il a reçu différents prix, parmi lesquels le Prix Nikon Bozar Monography Serie Award en 2016.

NL - Sébastien Van Malleghem is de auteur van een universum van scherpe contrasten. Zijn reportages, die gevoed worden door een gevoel van urgentie, wijzen op menselijke breuken en disfuncties in onze samenleving. Vanaf 2013 ging hij een intense lijfelijke relatie aan met Scandinavië. Deze lange en gepassioneerde ontmoeting leidt tot de Nordic Noir-reeks, een nachtelijke en introspectieve fotografische reis. Sébastien Van Malleghem (1986) woont en werkt in België. Internationaal tentoongesteld en gepubliceerd, is zijn werk meermaals te boek gesteld, onder meer in Police (Yellow Now, 2012), Prisons (Éditions André Frère, 2015), Nordic Noir (Éditions André Frère, 2018) en Mexican Morgues (Éditions Photo Paper, 2019). Hij ontving verschillende prijzen waaronder le Prix Nikon Bozar Monography Serie Award in 2016.

EN - Sébastien Van Malleghem is the creator of a world marked by incisive contrasts. Driven by a sense of urgency, his reports identify the human fractures and dysfunctions of our society. In 2013 he tackled Scandinavia head-on. Brutal and passionate, this prolonged encounter resulted in the Nordic Noir series, a nocturnal and introspective photographic journey. Sébastien Van Malleghem (1986) lives and works in Belgium. Internationally exhibited and published, his work has been the subject of several monographs, such as Police (Yellow Now, 2012), Prisons (Éditions André Frère, 2015), Nordic Noir (Éditions André Frère, 2018) and Mexican Morgues (Éditions Photo Paper, 2019). He has won many prizes including the Nikon Bozar Monography Serie Award in 2016.

Sybren Vanoverberghe www.sybrenvanoverberghe.com

© Sybren Vanoverberghe, Oval, 2017

FR - L’évolution constante de l’Histoire et son caractère cyclique occupent une place centrale dans le travail de Sybren Vanoverberghe. En visitant des sites historiques ou des lieux ordinaires, il interroge le processus en marche dans les significations que nous attribuons, ou non, à certains lieux. La mise en scène d’icônes manipulées par ses soins, concourt à déconstruire visuellement le paysage et à former une nouvelle unité dans le présent. Sybren Vanoverberghe (1996) vit et travaille à Gand. Ses travaux ont fait l’objet de trois publications monographiques, éditées par APE. Ils ont été exposés plusieurs fois en Belgique. L’artiste a collaboré avec la styliste Ann Demeulemeester, est associé au project space Pinguin (Bruxelles) et co-fondateur de la NO/Gallery (Gand). Il est représenté en Belgique par Stieglitz 19. NL - De voortdurende evolutie van de geschiedenis en haar cyclische karakter nemen een centrale plaats in het werk van Sybren Vanoverberghe. Door zowel historisch belangrijke als alledaagse plekken te bezoeken,, bevraagt hij het proces dat zich afspeelt in de betekenissen die we al dan niet aan bepaalde plaatsen toekennen. De enscenering van door hem gemanipuleerde iconen draagt bij aan de visuele deconstructie van het landschap en vormt een nieuwe eenheid in het heden. Sybren Vanoverberghe (1996) woont en werkt in Gent. Zijn werk verscheen reed in drie monografische publicaties, uitgegeven door APE. Hij werd meermaals in België tentoongesteld en heeft samengewerkt met de styliste Ann Demeulemeester. Hij is verbonden aan de projectruimte Pinguin (Brussel) en is medeoprichter van NO/ Gallery (Gent). In België is hij vertegenwoordigd door Stieglitz 19. EN - The constant evolution of history and its cyclical nature occupy a central place in the work of Sybren Vanoverberghe. By visiting historic sites or ordinary places, he questions the process at work in the meanings we give, or not, to certain places. The staging of icons which he manipulates contributes to the visual deconstruction of the landscape and to the creation of a new unity in the present. Sybren Vanoverberghe (1996) lives and works in Ghent. His works have already been the subject of three monographic projects, edited by APE and have been exhibited many times in Belgium. The artist has collaborated with fashion brand Ann Demeulemeester. He is also associated to the Artist run space Pinguin (Brussels) and is a founding member of the NO/Gallery (Ghent). He is represented in Belgium by Stieglitz 19.

Laura Van Severen www.lauravanseveren.be

© Laura Van Severen, Part of Land—on the brink of some formidably complex matter 2016

FR - Le travail de Laura Van Severen se concentre sur la transformation par l’Homme de l’environnement et la façon dont le paysage, en apparence immobile, est pourtant constamment mis en mouvement. Pour son projet en cours, la photographe explore les collines artificielles formées par l’enfouissement de déchets. Tout en explorant les sites, elle enquête sur la manière dont les différents pays de l’Union Européenne manient les régulations strictes en la matière. Laura Van Severen (1993), vit et travaille entre Gand et Barcelone. Sélectionnée parmi les talents du .tiff (FOMU, 2015), elle a exposé son travail en Belgique, aux Pays-Bas, en Italie, en Espagne et au Mexique. En 2016, elle a édité son premier livre Land, avec The Eriskay Connection.

NL - Laura Van Severens’s werk richt zich op de transformatie van de omgeving door de mens en hoe het landschap, dat schijnbaar onbeweeglijk lijkt, voortdurend in beweging wordt gezet. Voor haar huidige project verkent de fotografe de kunstmatige heuvels die gevormd worden door het begraven van afval. Tijdens de verkenning van de sites wordt onderzocht hoe de verschillende landen van de Europese Unie omgaan met de strikte regelgeving hieromtrent. Laura Van Severen (1993), woont en werkt tussen Brussel en Barcelona. Ze hoorde bij de geselecteerden van .tiff (FOMU, 2015) en stelde haar werk tentoon in België, Nederland, Spanje en in Mexico. In 2016 bracht ze haar eerste boek Land uit, bij The Eriskay Connection.

EN - Laura Van Severen’s work focuses on humankind’s transformation of the environment and on the way in which the landscape, seemingly motionless, is constantly set in motion. For her ongoing project, the photographer explored the artificial hills formed by the burial of waste. While exploring the sites, she investigated the way in which the various countries of the European Union handle the strict regulations in this area. Laura Van Severen (1993), lives and works between Ghent and Barcelona. In 2015 she was selected as one of Belgium’s top ten young talents for the .tiff (FOMU, Antwerp). She has exhibited in Belgium, the Netherlands, Italy, Mexico and Spain. In 2016 she published her first photobook Land with the publishing house The Eriskay Connection.

Ines Vansteenkiste Muylle FR - Ines Vansteenkiste-Muylle utilise la photographie pour nouer des liens. Au gré de ses différents projets, elle a dressé le portrait de personnes issues d’horizons éloignés. Sa plus récente série est le résultat d’un voyage aux Etats-Unis où elle a accompagné son ami Yaro Ray et son père. De Chicago à la Nouvelle-Orléans, ils sont partis à la rencontre de membres de leur famille. Ce travail traduit en images et en textes cette immersion dans la culture afro-américaine et les liens d’affection qui se sont tissés pendant le périple. Ines Vansteekiste-Muylle (1997) vit et travaille à Bruxelles. Sortie en 2018 de LUCA – School of Arts (Bruxelles), elle a remporté la même année le prix Graduation du quotidien belge De Morgen pour sa série Crossroads in Springtime.

© Ines Vansteenkiste Muylle, Grits & talks

NL - Ines Vansteenkiste-Muylle maakt gebruik van fotografie om verbanden te leggen. Door middel van haar verschillende projecten portretteerde ze mensen uit verre oorden. Haar recente serie is het resultaat van een reis naar de Verenigde Staten waar ze haar vriend Yaro Ray en zijn vader vergezelde. Van Chicago tot New Orleans, gingen ze op zoek naar familieleden. Deze onderdompeling in de Afrikaans-Amerikaanse cultuur en de banden van genegenheid die tijdens de reis ontstonden, vertaalt zich in beelden en teksten. Ines Vansteekiste-Muylle (1997) woont en werkt in Brussel. Ze studeerde af in 2018 aan de LUCA - School of Arts (Brussel) en won de Graduation prijs van de krant De Morgen voor haar serie Crossroads in Springtime. EN - Ines Vansteenkiste-Muylle uses photography to make connections. Over the course of her various projects, she has portrayed people from distant places. Her recent series is the result of a journey to the US which she made to accompany her friend Yaro Ray and his father. Travelling from Chicago to New Orleans, they set out to meet the Ray family. This work translates into images and texts this immersion into African American culture and the bonds of affection that were forged during the journey. Ines Vansteekiste-Muylle (1997) lives and works in Brussels. She graduated in 2018 from the LUCA – School of Arts (Brussels). In the same year, she won the Graduation Prize of the belgian newspaper De Morgen with her series Crossroads in Springtime.

Dinaya Waeyaert www.dinayawaeyaert.com

NL - Dinaya Waeyaert heeft van haar intieme cirkel het uitgangspunt van haar werk gemaakt. Haar persoonlijke collecties bestaan onder andere uit foto's die ze in de loop der jaren, tijdens ontmoetingsmomenten heeft genomen, steeds in 35mm-kleuren. Uit deze archieven, die een steeds groter wordend corpus vormen, observeert ze het fenomeen van vriendschappelijke en liefdevolle relaties die in de loop der jaren transformeren of verdorren. Dinaya Waeyaert studeerde af aan het KASK School of Arts (Gent) in 2018 en bracht haar eerste boek, Personal Collection uit in eigen beheer in hetzelfde jaar.

© Dinaya Waeyaert, Charlotte pregnant of Rosetta, Jan 2017

FR Dinaya Waeyaert a fait de son cercle intime le point de départ de son travail. Ses collections personnelles rassemblent des photographies prises pendant plusieurs années, à l’occasion de moments de rencontre, toujours en 35mm couleurs. A partir de ces archives qui forment un corpus qui ne cesse de grandir, elle observe le phénomène des relations amicales et amoureuses qui se transforment ou s’étiolent au fil des ans. Diplômée de la KASK School of Arts (Gand) en 2018, Dinaya Waeyaert a auto-édité son premier livre, Personal Collection la même année.

EN - Dinaya Waeyaert takes her inner circle as the starting point of her work. Her personal collections include photographs at social events taken over the years, always in 35mm and in colour. On the basis of these archives, which form a constantly growing corpus, she observes the phenomenon of friendships or love affairs as they grow or wither over the years. Dinaya Waeyaert graduated from the KASK School of Arts (Ghent) in 2018 and self-published her first book Personal Collection in the same year.

Marc Wendelski www.wendelski.be FR - Le sort d’une forêt millénaire menacée de destruction par l’exploitation minière en Allemagne a embrasé les cœurs d’activistes de toute l’Europe. Marc Wendelski les a accompagnés, mêlant approche engagée et préoccupations esthétiques. La série Beyond the forest, réalisée de 2013 à 2015 suit la construction de leurs camps de fortune et le risque d’expulsion qu’ils bravent au quotidien. Marc Wendelski (1978) vit et travaille à Liège. Ses travaux ont été notamment exposés à Contretype (Bruxelles), au Centre d’art contemporain Les Brasseurs (Liège) et au FOMU (Anvers).

© Marc Wendelski, Elmo, 2013 - Beyond the forest

NL - Het lot van een duizendjarig bos dat door de vernietiging van de mijnen in Duitsland wordt bedreigd, heeft de harten van activisten in heel Europa doen oplaaien. Marc Wendelski begeleidde hen, waarbij hij een geëngageerde aanpak en esthetische bekommernissen koppelde. De serie Beyond the forest, geproduceerd van 2013 tot 2015, volgt de bouw van hun geïmproviseerde kampen en het risico op ontruiming waar ze dagelijks mee te maken krijgen. Marc Wendelski (1978) woont en werkt in Luik. Zijn werken werden tevens tentoongesteld bij Contretype (Brussel), in het Centre d’art contemporain Les Brasseurs (Luik) en in het FOMU (Antwerpen). EN - The fate of a thousand-year-old forest threatened with destruction by a mining project in Germany set the hearts of activists all over Europe on fire. Marc Wendelski accompanied them, blending a committed approach and aesthetic concerns. The series Beyond the forest, produced in 2013 and 2015, follows the construction of their makeshift camps and the risk of eviction they faced on a daily basis. Marc Wendelski (1978) lives and works in Liège. His works have been notably exhibited at Contretype (Brussels), The Centre d’art contemporain Les Brasseurs (Liège) and FOMU (Antwerp).

Venez tenter votre chance à la pêche aux canards des Rencontres d’Arles ! Une façon décalée et ludique de découvrir cinquante photographes du plat pays et de remporter l’une des petites pépites de leur cru. Fanzines, tirages inédits, petites éditions et autres trésors se trouvent au bout de la canne à pêche...

FR -

Entrée gratuite Participation à la pêche : 3€ en prévente / 5€ sur place

Kom uw geluk beproeven op het Belgische eendenvisevenement van de Rencontres d'Arles! Een eigenzinnige en ludieke manier om vijftig fotografen uit het vlakke land te ontdekken en een werkje van hun hand te bemachtigen. Fanzine5, originele print5, kleine 12.#)'5 en andere schatten bevinden zich aan het einde van de hengel...

NL -

Gratis toegang Om deel te nemen aan de visserij : 3€ voorverkoop / 5€ ter plaatse

Photographes/ Fotografen / Photographers Annemie Augustijns, Maria Baoli, Laetitia Bica, Louise Bossut, Michaël Briglio-Nigro, Frederik Buyckx, Tom Callemin, Bertrand Cavalier, Alexandre Christiaens, Olivier Cornil, Anne-Sophie Costenoble, Christopher de Béthune, Carl De Keyzer, Dieter De Lathauwer, Colin Delfosse, Annelies de Mey, Bieke Depoorter, Sanne De Wilde, Rebecca Fertinel, Lara Gasparotto, Geert Goiris, Tine Guns, Antonio Jiménez Saiz, Katrin Kamrau, Elodie Ledure, Matthieu Litt, Katherine Longly, Charlotte Lybeer, Chantal Maes, Massao Mascaro, Virginie Nguyen Hoang, Thomas Nolf, Camille Picquot, Max Pinckers, Stéphanie Roland, Jan Rosseel, Dries Segers, Alexey Shlyk, Titus Simoens, Dominique Somers, Marie Sordat, Elsa Stubbé, Gaël Turine, Stephan Vanfleteren, Sébastien Van Malleghem, Sybren Vanoverberghe, Laura Van Severen, Ines Vansteenkiste Muylle, Dinaya Waeyaert, Marc Wendelski. Jury : Vincen Beeckman, Xavier Canonne, Kaat Celis, Andrea Copetti, Emmanuel d’Autreppe, Annelies de Mey, Bieke Depoorter, Jan Desloover, Danielle Leenaerts, Anne-Françoise Lesuisse, Jurgen Maelfeyt, Joachim Naudts, Els Opsomer, Gautier Platteau, Sophie Soukias, Anne Wauters. Conception & coordination / Ontwerp & Coördinatie : Vincen Beeckman, Marie Papazoglou Avec la collaboration et le soutien de / Met de medewerking en steun van / With the collaboration and the support of : Kunstenpunt / Flanders Arts Institute, Wallonie-Bruxelles International, la Direction des Arts plastiques contemporains de la Fédération Wallonie-Bruxelles, la Représentation du Gouvernement flamand en France, la Biennale de l’Image Possible (BIP), Fotomuseum Antwerpen (FOMU), RECYCLART ART CENTER, Temple Arles Books. Graphisme /Grafische vormgeving / Graphic design : Gilles Dewalque, Marc Wendelski (Biennale de l’Image Possible/BIP) Traduction / Vertaling / Translation : Patrick Lennon, Aude Tournaye

Try your luck at a game of Belgian hook-a-duck at the Rencontres de la Photographie d’Arles! An original and fun way to discover 50 photographers from 'le plat pays' and to win one of the prizes of their own invention. Use your pole to hook a fanzine, a print, a limited edition or some other rarity…

EN -

Free admission To play hook-a-duck : €3 presale / €5 on site

Impression / Druk / Print : Paypernews Remerciements / Dank / Acknowledgment : Francis & Viviane Beeckman, Anja Bücherl, Andrea Copetti, Yvan De Baets, Rein Deslé, France Dosogne, Pascale Eben, Pierre Hourquet, Jan Jongbloet, Lissa Kinnaer, Anne-Françoise Lesuisse, Pol Mareschal, Joachim Naudts, Anna Planas, Gaëtan Poelman, Pascale Viscardy,

FR - La soirée belge offre un aperçu de la création photographique belge contemporaine. Ce projet ne constitue pas une forme exhaustive de toute la production photographique ni des artistes photographes belges actuels. La sélection de ces 50 photographes est le fruit d'un exercice commun effectué par un jury d'experts. NL - De Belgische avond biedt een blik in de hedendaagse fotografie van België. Dit project geeft geen exhaustief overzicht van alle fotografische werken, noch van de huidige Belgische kunstenaars die fotografie als medium gebruiken. De selectie van deze 50 fotografen is het resultaat van een gezamenlijke oefening van een jury van deskundigen. EN - The Belgian Night gives an outlook on the current state of affairs in Belgian contemporary photography. It does not aspire to provide an exhaustive overview of all the photographers and artists working with photography in Belgium today. The selection of portraits is the result of a thoughtful exercise done by a committee of experts.

Editeur responsable : Marie Papazoglou, 7 rue de Pologne 1060 Bruxelles, Belgique

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Ne pas jeter sur la voie puŽ¼ique.